Императорский стиль – ампир

Ампи́р (от фр. style Empire — «имперский стиль») — стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период правления императора Наполеона I; развивался в течение трёх первых десятилетий XIX века; сменился эклектическими течениями.

Стиль ампир является завершающим этапом классицизма, возник во второй половине XVIII века. Во Франции эпохи Наполеона Бонапарта произошло перерождение классицизма в насаждающийся сверху, официальный имперский стиль, сущность которого нашла отражение в его названии (от фр. empire — «империя»). Стиль получил распространение во многих европейских государствах и активно развивался на протяжении трёх первых десятилетий XIX века.

В Российской империи этот стиль появился при Александре I. Приглашение архитекторов-иностранцев в России было частым явлением, поскольку среди титулованных особ это было модно, а в начале XIX века в России существовало увлечение французской культурой. Для возведения Исаакиевского собора Александр I пригласил начинающего французского архитектора Анри Луи Огюста Рикар де Монферрана, впоследствии ставшего одним из основоположников «русского ампира».

Российский ампир получил разделение на московский и петербургский, причем такое деление определялось не столько территориальным признаком, сколько степенью отрыва от классицизма — московский стоял к нему ближе. Наиболее известным представителем петербургского направления ампира стал архитектор Карл Росси, среди других представителей этого стиля принято называть архитекторов Андреяна Захарова, Андрея Воронихина, Осипа Бове, Доменико Жилярди, Василия Стасова, скульпторов Ивана Мартоса, Феодосия Щедрина. В России ампир главенствовал в архитектуре до 1830—1840 гг.

Возрождение ампира в перерождённых формах произошло в России в советское время, в период от середины 1930-х до середины 1950-х годов. Данное направление ампира также известно как «сталинский ампир».

Ампир относится к так называемым «королевским стилям», которые можно характеризовать театральностью в оформлении архитектурных построек и внутренних интерьеров. Особенность архитектурного ампира заключается в обязательном наличии колонн, пилястров, лепных карнизов и других классических элементов, а также мотивов, репродуцирующих практически без изменений античные образцы скульптуры, подобные грифонам, сфинксам, львиным лапам и тому подобным скульптурным конструкциям.

Русский музей:

Здание русского музея – это бывший Михайловский дворец, построенный крупнейшим архитектором Карлом Росси. Дворец строился с 1819-1825 год и в течение последующих лет он представляет собой резиденцию Великой княжеской семьи.

В течение 70 лет дворец простоял без ремонта. Наследники Михаила продают это здание государству, а государство устраивает первый в истории России государственный музей русского искусства.28 марта 1898 года музей был открыт для посетителей. В коллекцию вошли: крупнейшие частные собрания, собрания русского искусства принадлежавшие Александру 3.

На сегодняшний день коллекция музея составляет 400 тыс русского искусства, сюда входит: живопись, иконопись, скульптура, народное прикладное искусство. До наших дней дошли парадные залы дворца. Первый этаж – фрейлинские комнаты, второй этаж- парадные залы, третий этаж- детские комнаты, комнаты для нянь, гувернеров. Во дворце также располагалась церковь освещенная в честь Михаила Архангела.

Коллекция берет своё начало с произведений, поступивших к 1898 году из Академии Художеств (122 картины),Эрмитажа (80 картин), Зимнего дворца, пригородных дворцов — Гатчинского и Александровского (95 картин), а также приобретенных в частных коллекциях. В частности, крупная коллекция портретной живописи (несколько десятков картин) поступила от наследников князя А. Б. Лобанова-Ростовского, коллекция рисунков и акварелей — от княгини М. К. Тенишевой и других.

К открытию Русского музея в собрании имелось 445 картин, 111 скульптур, 981 графический лист (рисунки, гравюры и акварели), а также около 5000 памятников старины (иконы и изделия древнерусского декоративно-прикладного искусства).

Дальнейшее пополнение коллекции, согласно Указу императора Николая II, должно было происходить посредством покупки на «ассигнованные на это средства» и возможные пожертвования. За первые десять лет существования музея его собрание выросло почти вдвое.

В первое десятилетие после Октябрьской революции 1917 года коллекция растет стремительными темпами благодаря деятельности Государственного музейного фонда (1921—1928), распределявшего между музеями национализированные произведения искусства.

В 1922 году открывается новая комплексная экспозиция, впервые последовательно выстроенная по научно-историческому принципу. В ней впервые представлены произведения новейшего искусства.

В 1923 году около 400 картин были переданы из музея Академии Художеств.

В 1925 году в коллекции музея было уже 3648 картин.

В 1926 году передается коллекция произведений из музея при Государственном институте художественной культуры (ГИНХУК).

В начале 1930х годов расширяются экспозиционные площади за счет передачи освобожденного от посторонних арендаторов корпуса Бенуа и флигеля Росси Михайловского дворца.

В 1934 году Этнографический отдел Русского музея выделяется в самостоятельное учреждение — Государственный музей этнографии народов СССР.

В 1941 году в связи с началом Отечественной войны большую часть коллекции (свыше семи с половиной тысяч самых ценных экспонатов) эвакуировали в Пермь. Оставшуюся часть коллекции сняли с экспозиции, запаковали и укрыли в подвалах здания. За время войны 1941—1945 годов ни один музейный экспонат не пострадал.

9 мая 1946 года — открытие новой послевоенной экспозиции в залах первого этажа Михайловского дворца. Осенью 1946 года — открытие экспозиции на втором этаже Михайловского дворца. 8 ноября 1946 года — открытие экспозиции советского искусства в корпусе Бенуа.

Во второй половине 1940х годов корпус Бенуа и Михайловский дворец соединяют переходом, что позволило придать экспозиции последовательность и завершенность.

В 1954 году после создания Экспертно-закупочной комиссии Русского музея, пополнение коллекций приобрело планомерность и целенаправленность.

В 2004 году в состав Русского музея включен Летний сад с коллекцией мраморной скульптуры (92 экспоната) и зданиями — Летним дворцом Петра I, Кофейным домиком, Чайным домиком, а также Домик Петра I на Петровской набережной.

На 1 января 2012 года коллекция музея насчитывала 407 533 единицы хранения.

В разделе древнерусского искусства широко представлены иконы XII—XV веков (например, Ангел Златые власы, Богоматерь Умиление, Дмитрий Солунский, Чудо Георгия о змие, Борис и Глеб и др.), произведения Андрея Рублёва, Дионисия, Симона Ушакова и других мастеров. Всего коллекция Русского музея составляет порядка 5 тысяч икон XII — начала XX века.

•

Вестибюль:

Главный вестибюль Михайловского дворца

Просторное нарядное помещение Главного вестибюля - композиционный центр Михайловского дворца, объединяющий этажи и залы. Им начинается и завершается кольцевая анфилада парадных залов.

Основная тема декоративного оформления вестибюля - триумф русского оружия, переведенный на язык аллегорий и эмблем.

Тема славы России запечатлена в стенном фризе в образе крылатого льва, в рельефах, заполнивших полукружия ниш, в лепных панно на лестничных откосах, на ордерном фризе. Здесь варьируются изображения так называемых «арматур»- мечей, щитов, шлемов, ликторских связок и другой древнеримской военной атрибутики, дополненных двуглавыми российскими орлами и лавровыми венками.

Богатство архитектурной пластики усилено стройной колоннадой, которая образует обходную галерею

Роспись свода, перекрывающего лестничный павильон, выполнена в сдержанной и благородной сероватой гамме. Эта гризайлевая, то есть одноцветная, роспись созвучна просторному объему залу и подчеркивает его монументальность.

Отдел древнерусского искусства:

Выдающийся памятник древнерусского искусства 12 века 1130-1160 год образ архангела Гавриила. Ученые до сих пор спорят по поводу происхождения, одни считают, что это икона пришла к нам из Новгорода, другие же считают, что это Византия.

Образ архангела Гавриила исполнен необыкновенной одухотворенной силой,это чувство любви и милосердия. Работа была написана в начале 12 –го века и дошла полностью до наших дней, липовая доска внизу и вверху гвоздевые отверстия, следы оклада, которыми она была покрыта в 17-ом веке. Архангелы и ангелы имеют три атрибута могущества: посох, зеркальцо, слухи или отторги.

• Икона сошествия в ад:

• Икона находилась в иконостасе собора Рождества Богородицы Ферапонтовом монастыре. В иконе описывается сюжет первых людей, которые были изгнаны из рая на Землю. Греховность Адама и Евы увеличила греховность потомков, когда мир переполнился грехом, Господь послал своего единственного сына Иисуса Христа, чтобы он своею жизнью искупил этот грех, грех был искуплен, когда Иисуса распяли на кресте. На 3 день Иисус воскресает, на картине сюжет Иисус находится внутри круглой сферы, которая означает славу, он опускается в ад, в окружении небесных сил. Он разрушил адские ворота, внутри изображения 12 демонов, которые имеют надпись архангел и ангел, связывают сатану в аду. Раскрыты гробы, из которых вышли, те, кто ожидали спасения Иисуса Христа. На иконе изображены: ангел добра, ангел любви, ангел милосердия, ангел восстания, изображены также и демоны: демон горести, демон отчаяния, демон возвеличивания, демон скорби, демон неразумья, демон кривды, демон скверности, демон ненависти, демон смерти.

Зал Петровского времени:

• В этом зале все связано с деятельностью Петра. В 1718 году приезжает великий скульптор Растрелли и начинает работать Конец XVII и особенно начало XVIII века — эпоха крутых перемен не только в политике, но и в культуре России. Петр I резко поворачивает колесо России в сторону Запада. На смену всеобщей религиозной идеологии насильственно вводится иная система ценностей и мышления. Из Германии, Голландии, Франции, Италии и других стран приглашаются архитекторы, скульпторы, живописцы.

• Начиная с петровского времени в изобразительном искусстве преобладает портретный жанр в различных видах – от парадного до камерного. Еще при своей жизни Петр I всемерно содействовал появлению собственных национальных художников, архитекторов и скульпторов. Некоторым из них выпала честь учиться в Европе. Среди петровских пенсионеров, отправленных в Италию, был Иван Никитин. В 1716 году вместе с братом он приехал во Флоренцию, где учился в Академии художеств. Его наследие невелико. Одна из лучших его работ — „Портрет напольного гетмана“. Имя изображенного тоже пока установить не удалось. Среди возможных персон называют имена украинских гетманов, польско-литовского магната Яна Казимира Сапеги, состоявшего на русской службе и умершего в 1730 году.

Парадный портрет Петра 3:

Петр 3 – внук Петра 1 сын старшей дочери Петра Анны. Петр 3 в 14 лет приехал в Россию, в 17 лет женился на Софии Фредерихе Августе будущей Екатерине Алексеевне, а потом после смерти тетушки Петр 3 вступил на престол. Портрет написан уже тогда, когда Петр 3 стал императором. Он в военной форме, на его груди офицерский знак. Петр 3 представляется нам не только императором, но и военноначальником.

Скульптура Анна Иоанновна с арапчонком:

Анна выходит на торжественную церемонию, на ее голове корона, на плечах мантия, в руке скипетр, паж арапчонок подает ей державу. Растрелли долго работал над скульптурой, это одна из первых отливок в Петербурге, с этой скульптуры начинается история монументальной скульптуры в нашей стране.

Картина - Последний день Помпеи:

Брюллов посетил Помпеи в 1827 году, сделав много набросков для будущей картины про известное извержение вулкана Везувий в 79 году н. э. и разрушение города Помпеи близ Неаполя. Полотно выставлялось в Риме, где получило восторженные отклики критиков, и переправлено в парижский Лувр. Эта работа стала первой картиной художника, вызвавшей такой интерес за рубежом. Вальтер Скотт назвал картину «необычной, эпической».

Классическая тема, благодаря художественному видению Брюллова и обильной игре светотени, вылилась в работу, на несколько шагов вперёд отстоящую от неоклассического стиля. «Последний день Помпеи» отлично характеризует романтизм в русской живописи, смешивающийся с идеализмом, повышенным интересом к пленэру и страстной любовью того времени к подобным историческим сюжетам. Изображение художника в левом углу картины является автопортретом автора.

На полотне также трижды изображена графиня Юлия Павловна Самойлова — женщина с кувшином на голове, стоящая на возвышении в левой части полотна; разбившаяся насмерть женщина, распростёртая на мостовой, и рядом с ней живой ребёнок (обоих, предположительно, выбросило из сломавшейся колесницы) — в центре полотна; и мать, привлекающая к себе дочерей, в левом углу картины.

В 1834 г. картина «Последний день Помпеи» была отправлена в Петербург. Александр Иванович Тургенев говорил, что эта картина составила славу России и Италии. Е. А. Баратынский сочинил по этому случаю знаменитый афоризм: «Последний день Помпеи стал для русской кисти первым днём!».

Стихотворением откликнулся и А. С. Пушкин: «Кумиры падают! Народ, гонимый страхом…» (эту строку запретила цензура). В России полотно Брюллова воспринималось не компромиссным, а исключительно новаторским произведением. Николай I удостоил художника личной аудиенцией и наградил Карла лавровым венком, после этого художника называли "Карл Великий".

Анатолий Демидов подарил картину Николаю I, который выставил её в Академии художеств как руководство для начинающих живописцев. После открытия Русского музея в 1895 году полотно переехало туда, и к нему получила доступ широкая публика.

Картина - девятый вал:

«Девятый вал» — одна из самых знаменитых картин русского художника-мариниста Ивана Айвазовского.

Живописец изображает море после сильнейшего ночного шторма и людей, потерпевших кораблекрушение. Лучи солнца освещают громадные волны. Самая большая из них — девятый вал, готова обрушиться на людей, пытающихся спастись на обломках мачты.

Несмотря на то, что корабль разрушен, осталась только мачта, люди на мачте живы и продолжают бороться со стихией. Тёплые тона картины делают море не таким суровым и дают зрителю надежду, что люди будут спасены.

Белоколонный зал:

Белый (Белоколонный) зал, наряду с Главным вестибюлем - единственные помещения, сохранившие свое первоначальное убранство.

В прошлом Белый зал был известен как музыкальный салон Петербурга. Здесь хозяйка дворца, великая княгиня Елена Павловна, устраивала поэтические и музыкальные вечера,в которых участвовали выдающиеся русские и европейские деятели литературы и искусства(Ф.Лист, Г.Берлиоз, А.Г. Рубинштейн и многие другие.). В середине ХIX века во дворце были открыты музыкальные классы, что впоследствии способствовало созданию Русского музыкального общества и открытию петербургской Консерватории.

В настоящее время экспозиция в Белом зале представляет уникальный по своей сохранности дворцовый интерьер первой четверти XIX века. Сохранилось не только живописное и скульптурное убранство, но и предметы мебели, а также произведения декоративно-прикладного искусства. Росписи зала, лепка, наборный паркет, мебель, люстры и торшеры – все выполнено по рисункам К.И.Росси. Вместе с ним над оформлением зала работали скульптор С.С.Пименов и живописцы А. Виги и Дж.Б.Скотти.

Белый зал расценивался современниками как непревзойденный образец творчества.

Корпус Бенуа:

Проект корпуса Бенуа был исполнен в 1910—1912 годах архитекторами Л. Н. Бенуа и С. О. Овсянниковым. Его закладка состоялась 27 июня 1914 года, но начавшаяся война приостановила работы и строительство было закончено только в 1919 году.

Первоначально здание носило название Дворец искусств и предназначалось для устройства выставок различных художественных объединений и союзов. Так, например, в 1917 году здесь была проведена большая выставка «Общины художников», посвящённая 45-летию творческой деятельности Ильи Репина.

В 1932 году был создан отдел современного искусства Русского музея, разместившийся в корпусе Бенуа. В послевоенный период он был соединён специальным переходом со зданием Михайловского дворца.[1] А с 1949 года здесь проводятся выставки современного искусства.

Казанский собор:

Каза́нский кафедра́льный собо́р (Собор Казанской иконы Божией Матери) — один из крупнейших храмов Санкт-Петербурга, выполненный в стиле ампир. Построен на Невском проспекте в 1801—1811 годах архитектором А. Н. Воронихиным для хранения чтимого списка чудотворной иконы Божией Матери Казанской. После Отечественной войны 1812 года приобрел значение памятника русской воинской славы. В 1813 году здесь был похоронен полководец М. И. Кутузов и помещены ключи от взятых городов и другие военные трофеи.

В 1932 году превращен в Музей истории религии и атеизма, с 1991 года действующий храм, несколько лет сосуществовавший с экспозицией музея. С 2000 года — кафедральный собор Санкт-Петербургской епархии Русской Православной Церкви. Настоятель — протоиерей Павел Красноцветов.

Собор дал название Казанской улице, Казанскому острову в дельте Невы и Казанскому мосту на пересечении Невского проспекта и канала Грибоедова. Собор построен в стиле- ампир.

Исаа́киевский собо́р

(официальное название — собор преподобного Исаакия Далматского) — крупнейший православный храм Санкт-Петербурга. Расположен на Исаакиевской площади. Имеет статус музея; зарегистрированная в июне 1991 года церковная община имеет возможность совершатьбогослужение по особым дням с разрешения дирекции музея. Освящён во имя преподобного Исаакия Далматского, почитаемого Петром I святого, так как император родился в день его памяти — 30 мая по юлианскому календарю.

Построен в 1818—1858 годы по проекту архитектора Огюста Монферрана; строительство курировал император Николай I, председателем комиссии построения был Карл Опперман.

Торжественное освящение 30 мая (11 июня) 1858 года нового кафедрального собора совершилмитрополит Новгородский, Санкт-Петербургский, Э стляндский и Финляндский Григорий (Постников).

Творение Монферана — четвёртый по счёту храм, в честь Исаакия Далматского, построенный в Санкт-Петербурге.

Высота — 101,5 м, внутренняя площадь — более 4000 м².

Презентацию подготовили: Стрючкова Настя и Колтаков Николай, фотографии взяты из интернета.

Поиск по сайту: