Барокко

Само название стиля барокко (итал. barocco – «причудливый», «странный») возникло позднее, скорее как язвительная насмешка над недопустимыми произвольными комбинациями классических форм. В XVIII в. таким словом клеймили своевольные отступления от строгих норм классики, что было равнозначно «безвкусице». В середине XIX в. барокко анализируется уже как исторический стиль, закономерный этап в развитии европейского искусства, а в 80-е годы XIX века за ним признали право на существование как особого художественного явления. Мы рассматриваем барокко как всеобъемлющий стиль, поражаемся его патетике, изяществу и лёгкости. Базируясь на антично-ренессансной классике, одновременно нарушая при этом её каноны, он не оставляет человека равнодушным.

В барокко живут по-новому увиденные реалии действительного мира, бесконечность космоса и вечность движения «одухотворённой» материи. Для него характерны нарочитая вычурность линий в скульптуре, парадность, пышность фасадов и интерьеров зданий, криволинейность очертаний архитектурных сооружений, причудливость метафор и экспрессивная насыщенность в поэзии и прозе.

Вместе с тем барокко воплощает удивительный синтез искусств, особенно в архитектуре, где сливаются воедино скульптура, живопись, декор, благодаря знанию законов линейной и воздушной перспективы, полной свободе изображений человека и предметов реального мира в самых сложных ракурсах и образов сакрального, виртуозной технике лепнины. Всё это делало возможным достижение иллюзии правдоподобия, необходимой для внушения веры в полную реальность видимого, когда зритель становился участником изображенного действия, а реальный мир отступал перед лицом воплощённой иллюзии.

Весьма сложен и противоречив барочный образ. В нём больше элементов внешней импозантности и деланной экзальтированности, чем глубокой мысли и подлинного чувства. В нём ощущается утрата прочности и стабильности всего сущего, болезненное восприятие контрастов и противоречий, иллюзорной несовместимости материального и духовных начал, гармония и красота не покоя, а быстротечного, мимолётного. Уже в характеристике барокко как художественного стиля видны несовместимые друг с другом противоположности - антиномии: жизнь/ смерть, гедонизм/ аскетизм, вечное/ мимолётное, рациональное/ иррациональное. Но их проявление не столько в борьбе, сколько в создании своеобразной гармонии: гармонии неустойчивой, исполненной тревоги. Теоретики барокко говорят о «созвучии несозвучного», проявляющегося в многообразной культурной практике. Антиномия «хаос» (управляющий Вселенной)/ – «порядок» (торжество рационализма) присутствует и в научном, и в художественном мышлении: система созвездий Кеплера, учение о государстве Гоббса, система планировки Ленотра. Но она, в отличие от античности, понимается не как выражение порядка, лежащего вне человеческого сознания, а как нечто соразмерное, упорядоченное, подчинённое разуму человека (линия возвышения человека). Но безграничность мира, трагическая незащищённость человека, несопоставимость малой, бренной человеческой жизни с вечной бесконечной бездной Вселенной (линия принижения человека), делают человека всего лишь песчинкой Космоса.

Барокко отдаёт предпочтение темам мученичества, чудесам, видениям в религиозных сюжетах; повышенной эмоциональности, иррациональным эффектам, яркой контрастности образов, овалам в линии зданий, нагруженности форм, орнаментальному декору пространства; в музыке – созданию циклических форм и многочастных произведений (соната, концерт), драматизму и синтезу искусств (опера, оратория, кантата).

Великими мастерами Италии, в творчестве которых наиболее ярко воплотился стиль барокко, были архитектор и скульптор Л. Бернини, архитектор Ф. Барромини, скульптор А. Канова, художники Д. Риччи, Д. Тьеполо. Непревзойдённым мастером барокко стал фламандский живописец Питер Пауль Рубенс, как и созданная им школа. Испанские живописцы Эль Греко, Ф. Сурбаран, Х. Рибера, Д. Веласкес дали свою версию барокко, насыщенного религиозным фанатизмом, с одной стороны, и тесно связанным с реальной социальной и духовной средой общества - с другой. Так, герои Риберы и Сурбарана - люди подчёркнуто плебейского, люмпенского типа, а события священной истории низведены до жизни простых людей. «Барочный» классицизм - официальный королевский стиль Франции - дал творения архитекторов и художников К. Перро, Ш. Лебрена (Версальский дворец). Литература барокко представлена творчеством испанских драматургов П. Кальдерона и Тирсо де Молины, итальянского поэта Т. Тассо.

Таким образом, начавшись в архитектуре, изобразительном искусстве и музыке, барокко быстро распространилось и на другие виды деятельности и творчества: барочный характер приобрели изделия художественного ремесла, мебели; мода, да и весь образ жизни высших кругов европейского общества.

Рассмотрим более подробно художественную практику барокко в творчестве отдельных мастеров Европы.

Первоначальным центром барочного искусства стала Италия, точнее Рим, который когда-то был родиной Высокого Возрождения. И хотя сама Италия в XVII веке была раздробленной страной, на юге которой хозяйничали испанцы, а на севере – французы, именно папство преображает центр католического мира. Не случайно этот стиль связывают с католической церковью, королевской абсолютистской властью, так как они и были главными заказчиками дворцов, оформления площадей, соборов. Так, градостроительная реконструкция Рима осуществлялась во многом по инициативе и при мощной поддержке папства, стремящегося превратить Вечный город в прекрасный европейский центр, который прославил бы величие римской церкви. Талантливые мастера реконструируют старые площади и средневековые улочки, создают новые площади с фонтанами и обелисками, колоннадами и декоративными скульптурами. Разрабатываются проекты ансамблей загородных вилл с водопадами, гротами и лабиринтами.

Создание архитектурных ансамблей, включающих не только отдельные сооружения и площади, но и улицы, которым придаётся прямолинейный характер, - вот что отличает зодчество барокко. Начало и конец улиц отмечаются какими-либо архитектурными или скульптурными акцентами. Доменико Фонтана впервые в градостроительстве применяет трёхлучевую систему улиц, сходящихся на площади дель Поло, чем достигает связи главного въезда в город с основными ансамблями Рима. Обелиски и фонтаны, специально поставленные в точках схода лучевых проспектов и их начал, создают особый эффект уходящей вдаль перспективы. Да и организующим центром площадей всё чаще становится не скульптура, а фонтан, обильно украшенный скульптурной композицией.

Ярким мастером римского барокко был Лоренцо Бернини (1598-1680). Архитектор и скульптор, живописец и рисовальщик, человек необычайной работоспособности, неистощимой фантазии, он много строил и перестраивал, высекал статуи и надгробья, декорировал интерьеры церквей и вилл. Ему принадлежит заслуга великолепной торжественной организации овального открытого пространства перед фасадом собора Св. Петра, обрамление его колоннадой из 284 колонн в четыре ряда, как бы обнимающей окружающее пространство, со скульптурами многочисленных святых и апостолов церкви на вершинах. Овал, образуемый колоннадой, сам Бернини сравнивал с материнскими объятиями церкви. В центре площади – обелиск, привезённый еще из Египта, по бокам его - фонтаны. Доминантой площади стал собор Св. Петра - символ мощи католической церкви. Внутри него Л. Бернини возвёл великолепную кафедру Св. Петра – 30-метровый трон над фрагментами деревянного кресла, принадлежащего, по преданию, апостолу Петру. Громадные статуи святых поддерживают этот трон, над ними возвышаются ангелы, клубятся облака. Всё сверкает позолотой, блестят лучи, а через овальное окно извне проникает солнечный свет. Световые контрасты, динамическое и красочное напряжение усиливают эффект и пафос этого зрелища.

И в скульптурах Л. Бернини видны те же тенденции. Одной из первых зрелых работ мастера стал «Давид» - образ, привлекавший внимание ренессансных мастеров, таких как Донателло и Микеланджело, создавших его идеальную версию. Однако Л. Бернини интересует не покой, а действие; он избирает ключевой момент поединка Давида с Голиафом: юноша резко разворачивается, чтобы метнуть камень, лицо его напряжено, брови сдвинуты, на лбу проступили резкие складки; он весь в порыве, в движении.

Уже зрелым мастером Л. Бернини создаёт весьма зрелищную композицию «Экстаз Святой Терезы» для алтаря капеллы семейства Корнаро в римском храме Санта-Мария делла Витториа, сюжетом для которой он избирает мистическое видение, описанное Святой Терезой в её духовном сочинении. Беломраморная композиция – Святая Тереза и ангел - размещена среди колоннады цветного мрамора, а фоном стали позолоченные лучи, символизирующие Божественный свет.

Великий мастер итальянского барокко Л. Бернини, при жизни получивший признание и успех, во многом определил пути развития европейской культуры XVII века.

Редким удивительным даром обладал один из самых «барочных» живописцев Европы, фламандский художник Питер Пауль Рубенс (1577-1640). Во Фландрии, южной части Нидерландов, где испанская корона сохранила свою власть, а католическая церковь жестоко расправилась с протестантами, и те и другие стремились укрепить своё господство, подчинить сознание людей авторитету короля и церкви. Меняется искусство оформления храмов, дворцов; стиль барокко и здесь получает блестящее развитие.

П.П. Рубенс стал главой фламандской живописной школы барокко. Знаток древней культуры, филолог и гуманист, одарённый литератор и блестящий дипломат, он был хорошо образован. Проведя несколько лет в Италии, побывав в Испании, много сил отдал он изучению творений великих мастеров Ренессанса, стал придворным живописцем. Работал в разных жанрах: религиозном, мифологическом, историческом, портретном, пейзажном, сделав их возвышенно - прекрасными.

Красочным, аллегоричным представлен большой цикл полотен, прославлявший царствование Марии Медичи. Не меньший интерес вызывают работы П. Рубенса со сценами народной жизни, охотой, пейзажами. Безудержна экспрессия его кисти, жизнерадостным оптимизмом полны его герои. Излюбленный приём передачи движения – круговое вращение. В полотнах на темы античной мифологии («Похищение дочерей Левкиппа» или «Битва греков с амазонками») автор передаёт дух напряжённой яростной борьбы, да и написаны они стремительными, энергичными мазками. По заказу католической церкви им созданы алтарные композиции «Воздвижение креста» и «Снятие с креста». Их отличают игра света, сочность цветовых гамм красного, телесного, белого, динамичность фигур, полный силы и мужества образ Иисуса Христа. Незабываемое впечатление оставляют и портреты кисти Рубенса, особенно близких ему людей («Портрет Изабеллы Брандт», «Портрет Елены Фурмен»). Отмечены спокойствием и глубоким психологизмом «Портрет камеристки инфанты Изабеллы», находящийся в Эрмитаже, и особенно «Автопортрет», одна из последних работ Рубенса.

Мастер не был одинок, он создал школу фламандских художников, многие из которых стали известными Европе живописцами. Это Ван Дейк, Якоб Йорданс, Франс Снейдерс, каждый из которых оставил заметный след не только во фламандском, но и общеевропейском искусстве XVII века.

Поиск по сайту: