АЛЬТЕРНАТИВНЫЙ ДИЗАЙН В 70-е ГОДЫ

Несмотря на рост популярности в 60-е годы модернизма как стиля и идеологии, одновре­менно формировалась серьезная оппозиция пуристическим теориям и практике. Хотя молодые архитекторы из Токио, Лондо­на, Вены и других метрополий создавали уто­пичные проекты городов будущего, некото­рые из них стали уже сознавать, что будущее не может выглядеть только "розовым". Меч­та ранних 60-х обернулась злобой, чувством разочарования и смятением. Оппозиционная культура хиппи, антивоенное движение в Аме­рике, европейские волнения студентов 1968 года, как и оккупация студентами Миланско­го Триеналле, приведшая к закрытию выстав­ки, были симптоматичными для радикально­го изменения ценностей, нашедшего свой эк­вивалент в движении "Антидизайн".

Смена приоритетов. На смену эйфории массового производства и рационализма в формообразовании пришла его критика. Если функциона­лизм в архитектуре и дизайне европейских стран в период стесненных условий послевоенного восстановления был оправдан, то в б0-е годы он стал представляться догмати­ческим, завязались дебаты об эмоциональном дефиците рационализма, направленном на исключительно рациональ­ное массовое производство. Ставился вопрос о роли ди­зайна в капиталистическом обществе. Многие дизайнеры не желали больше видеть себя "лишь продолжением рук индустрии".

Теория функционализма больше не могла дать ответов на происходящие в обществе переме­ны. Эстетические образцы искались теперь в собственных областях дизайна. Инициативы прибывали во многом из молодежных субкультур. Сначала в Англии, затем в Ита­лии и Германии образовывались радикальные течения против функционализма. В США появились первые теории, ко­торые ставили в центр культурные, психологические и се­мантические аспекты.

Поп-арт. В конце 50-х в обстановке процветающего "американского общества потребления" возникло новое течение в искус­стве - поп-арт.

Хамилтон утверждал, что поп-арт обращается к массовой, преимущественно молодежной публике и что ему присущи эфемерность и быстротечность, виртуозное мастерство и превращения. Сторонники поп-арта стремились создать антиискусство, выведя на сцену цивилизацию по­требления, возвышая ее самые обыденные, ординарные предметы, которых фабрикуются миллионы. Они черпали вдохновение из так называемого "низменного ис­кусства". Тщательно изучая рекламу, мир средств мас­совой информации, они вдохновлялись комиксами, пред­ставляли в своих работах машины, электронику, консерв­ные банки, страницы журналов, фотографии, банковские билеты. Взятые отдельно или вмонтированные в коллажи и в ассамбляжи, эти предметы словно насмехались над зри­телем, сбивали его с толку своими порой чудовищными раз­мерами, производя впечатление отстраненности, аноним­ности, свойственным новой городской культуре. Самыми известными представителями поп-арта были Ро­берт Рашенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс и Джеймс Розенквист. Но бесспорным отцом поп-арта оста­ется Энди Уорхол с его знаменитыми шелкографиями, про­славляющими как Мерилин Монро, так и банк кэмпеловских супов.

Поп-дизайн - культура для молодых. Несмотря на то, что в поп-культуре мастера отталкива­лись от т.н. "низменного искусства", это совсем не означа­ло, что стиль "поп" был стилем товаров повседневного по­требления. В отличие от приверженцев "хорошего дизай­на" дизайнеры стиля "поп" искали менее серьезный смысл в своих произведениях. Стиль "поп" был стилем для моло­дых. К 60-м годам идея производства добротных и долго­вечных товаров уходит на второй план, уступая место ло­зунгу "сегодня использовал - завтра выбросил". Это был настоящий прорыв в философии промышленного производ­ства и дизайна. Пятнистый детский стул Петера Мурдока из гофрокартона, цветное пневматическое кресло из поли-винилхлорида Ди Паса, Д'Урбино стали одними из выдаю­щихся представителей легкодоступной и широкораспрос­траняющейся "культуры недолговечности". В сверкающих глянцем обложках модных журналов рекламировались ори­гинальные идеи платьев из бумаги.

Оп-арт. Направление оп-арт, названное из-за увлечения его сто­ронников оптическими эффектами, с учетом физико-пси­хологических особенностей зрительного восприятия. Ху­дожники этого направления были, в основном, заняты со­зданием оптических иллюзий. Новым в подходе оп-арта было то, что это искусство являлось строго беспредмет­ным. Оно развилось частично из геометрической абстрак­ции, хотя его родословная восходит и еще дальше, к Мондриану. В то же время оп-арт стремился расширить мир оптической иллюзии всеми имеющимися в распоряжении художника способами, используя возможности новых ма­териалов и технических средств, создаваемых наукой, в том числе и лазерной технологией. Значительное место в оп-арте занимают конструкции, или "Инвайронменты", воздействие которых зависит от света и движения и не может быть достаточно передано в аль­бомной репродукции.

Из-за опоры оп-арта на науку и технику его возможности казались практически беспредельными. Однако, достиг­нув своей зрелости в конце 60-х - начале 70-х, оп-арт в дальнейшем затормозился в своем развитии. Главное зат­руднение было связано с тематикой произведений. Главным теоретиком стиля оп-арт, как и его наиболее изоб­ретательным практиком, был французский художник Вик­тор Вазарели. Большая часть его работ выполнена бук­вально в черно-белой гамме, например, масштабное полот­но "Вега", название которой происходит от самой яркой звезды в созвездии Лира. Это огромное поле из черно-белых клеток, правильность которых нарушается из-за изгибов линий, образующих квадраты. Картина побужда­ет нас двигаться взад-вперед, а когда мы делаем это, нам кажется, будто это само поле приходит в движение, то расширяясь, то изгибаясь, то сжимаясь. Если бы "Вега" была трехмерным объектом, разнообразий эффектов стало бы больше.

Поп-дизайн вместе с другими течениями антидизайнерс-кой направленности противостоял "современному движе­нию", заявлявшему "меньше - значит лучше", и привел к радикальному дизайну 70-х. Он черпал свое вдохновение из многочисленных источников; Арт-нову, Оп-арт, Арт-Деко, "Футуризм", "Сюрреализм", "Психоделическое искус­ство", "Восточный мистицизм", "Кич", "Космических поле­тов". Средства массовой информации способствовали по­пуляризации поп-дизайна. Нефтяной кризис начала 70-х годов снова вернул дизайн к рациональным принципам фор­мообразования. Поп-дизайн сменили возрождающиеся ре­месла, с одной стороны, и стиль "хай-тек", с другой, тем самым был положен фундамент для нарождающегося сти­ля "Постмодерн".

Радикальный дизайн. Антидизайн. "Радикальный дизайн" возник в конце 60-х как своеобраз­ная реакция протеста на господствующий в это время "Хо­роший дизайн". Возникший одновременно и близкий ему по понятию "Антидизайн" отличался несколько большей экспрериментальной направленностью и политизацией. Он старался изменить общественное восприятие модернизма посредством утопических предложений и проектов.

Историю возникновения и развития движения "Антидизайн" обычно тесным образом связывают итальянским дизайном. Здесь в конце 60-х гг. новое поколение архитекторов и дизайнеров было недовольно уровнем образования и ус­ловиями работы, а также ориентированным на потребите­ля "бел-дизайном" ("Bel-design") промышленных изделий. Желания проектировать элегантные изделия больше не было, старались думать концептуальное и глобальнее, по-новому смотреть на процесс предметного формообразова­ния, как и на политические предпосылки в потребительс­ком обществе.

Основными центрами "Радикального дизайна" в Италии были Милан, Флоренция, Турин, где объединенные в груп­пы дизайнеры занимались развитием кардинально нового направления в поисках "человеческого я". Протест против существующего дизайна, потребительского и предметно­го фетишизма выражался в рисунках, фотомонтажах и чер­тежах утопических проектов. Конкретные объекты созда­вались все реже, а если и создавались, то с политическим, ироничным, провокационным смысловым содержанием, так как философия "радикального дизайна" была полностью антикоммерческой. Формы заимствовались из поп-арта и дизайн-утопий, а руководящие принципы - из "Хепенинг" (Happenings), "Перформанс" (Perfomans) и др. направлений концепт-арта 60-х гг. Одним из основоположников движе­ния "Радикальный дизайн" считается Эторе Соттсасс, ко­торый уже раньше в своих мебельных проектах и керами­ческих изделиях использовал формы поп-арта и проекти­ровал утопические антимиры.

"Архизум". Группа "Архизум" возникла одной из первых во Флоренции в 1966 году. Ее лидерами стали Андреа Бранци (Andrea Branzi, 1941), Паоло Деганелло (Paolo Deganello, 1940), Гиль-берто Коретти (Gilberto Corretti, 1941), Масимо Мороци (Massimo Morozzi, 1941). Само название происходит от бри­танской архитектурной группы "Архигрэм" и от одного из выпущенных ими журналов "Зум" (Zoom). "Архизум" извес­тен как создатель радикальных архитектурных проектов, таких как Wind City, no-Stop-City. Они пытались показать, что если идти по пути рационализма, то он становится алогичным и в конце концов антирационалистическим. "Архизум" пришел к выводу, что конечной целью совре­менной архитектуры является уничтожение архитектуры как таковой. В 1966 и 1967 гг. "Архизум" устроил две выс­тавки "Суперархитектура" совместно с "Суперстудио". Все их работы имели смысловую связь с поп-культурой и кит­чем и в тоже время выражали насмешку над претенциозно­стью "Хорошего дизайна".

Суперстудио. Группа "Суперстудио" (Superstudio) была основана в де­кабре 1966 г. во Флоренции Адольфом Наталини и Кристиано Торальдо

Год основания совпал с разрушительным наводнением одной из крупнейших рек Италии Арно. Оба события как бы символизировали разрушение сложившейся культуры, только в первом случае это разрушение - стихийное бед­ствие, во втором - осознанное, руками человека "Суперстудио" ставила под сомнение достоверность раци­онализма и пыталась заменить традиционный город новой суперструктурой, где архитектура должна стать либо не­функциональной и саморазрушающей, либо символичной. В 1972 году "Суперстудио" принимала участие в выставке

Группа "Штрум". На Нью-йоркской выставке "Италия: новые домашние лан­дшафты" 1972 года была ярко представлена также группа "Штрум" (от слова "Strum", бренчание). Основана в Турине в 1963 году Жоржио Жиретти (Giorgio Geretti) и др. Одна из самых известных работ группы - экзотическая "ме­бель" для сидения и лежания из полиуретана "Pratone" (большой луг, 1966-70).

В 60-70-х гг. группа "Штрум" проявляла исключительную активность в продвижении радикального дизайна в Ита­лии, используя трибуну различных семинаров, а также в своих публикациях по теории дизайна. Для выражения социального и политического содержания современной ар­хитектуры группа прибегала к методу "историй в картин­ках" - наглядному и популярному в 60-х.

Свободная школа-лаборатория дизайна "Global Tools". В 1973 году члены различных групп радикального дизайна объединились вокруг журнала "Casabella", директором ко­торого был Алессандро Мендини. Все это в итоге привело к организации во Флоренции в 1974 году "Global Tools" - школы радикальной архитектуры и дизайна. Ее целью было развитие и исследование непромышленных способов производства, продвижение индивидуального творчества, "Global Tools" открыла несколько мастерских (лабораторий), развивающих подход в дизайне "сделай сам" и изучаю­щих потенциальные прикладные характеристики техни­ческих материалов. Своими левой политической направ­ленностью и научно-политическими тезисами "Global Tools" пыталась на основе творчества объединить обычных лю­дей и профессиональных дизайнеров в единый дизайн-про­цесс.

Во время своей дея­тельности "Global Tools" была центральным форумом ради­кального дизайна и ее роспуск стал концом первой фазы этого движения в Италии. Подвергая сомнению установившиеся в дизайне каноны, лидеры радикального дизайна заложили теоретические основы стилистическому направлению постмодерн, кото­рое зародилось в конце 70-х, а получило расцвет в 80-х гг.

Вторая волна антидизайна. Студия "Алхимия". После некоторого спада в конце 70-х возникает вторая волна антидизайна. Во многом это связано с появлением студии "Алхимия".

Студия "Алхимия" (Studio Alchimia) была создана в 1976 году архитектором Алессандро Гурьеро (Alessandro Guerriero, 1943) как галерея экспериментальных работ, не предназ­наченных для промышленного производства. Само назва­ние "алхимия" было дано как насмешка над научными фун­даментальными представлениями о стиле "модернизм". Ее коллекции 1978 и 1979 годов были иронично названы "Бау. Хауз 1и 2". Они представляли собой головокружительное соединение по­пулярной культуры и радикального китча. Постепенно студия "Алхимия" выросла в очень влиятель­ную творческую организацию. Ее лидеры ратовали за воз­вращение дизайну значимости и вместе с тем спонтаннос­ти.

В восьмидесятые годы творческим лидером "Алхимии" стал Алессандро Мендини. Его мебель в стиле "Ре-дизайн" (Re­design) - кресла "Суперлегера" (Superleggera) Жио Понти и "Василий" Марселя Бройера принесли веселое настроение в "надменность" "хорошего дизайна" и "хорошего вкуса". Серия Мендини "Бесконечная мебель" (Mobile Infinite, 1981) давала широкие возможности комбинаторики, позволяя по­требителю самому составлять различные комбинации и участвовать таким образом в общем творческом процессе. Дизайн Студии "Алхимия" был мотивирован политически, элитарен и осознан интеллектуально.

Поиск по сайту: