Создай «хороший Фен-Шуй» в спальне

Думаю, что одним из твоих наиболее любимых мест в квартире является спальня. Это наиболее важная для здоровья комната, так как именно в ней ты проводишь около трети своей жизни. Как достичь здесь уюта и гармонии в этой комнате?

Для начала, конечно, необходимо определить основные цели использования этого помещения. Если ты больше склоняешься к релаксации и сну, тогда лучше оформляй спальню в неярких тонах, чтобы сильнее смогла проявиться расслабляющая энергия инь. Если же ты, наоборот, хочешь, максимально активного использования спальни, так, чтобы даже и спать не хотелось, используй яркие янские цвета, помогающие не поддаваться усталости. Возможно, ты найдешь более разумным общее пастельное оформление с небольшим добавлением ярких пятен. Их количество, при необходимости, ты легко сможешь увеличить, используя, например, свечи, цветы, или даже "случайным образом" оставленную одежду.

Есть несколько табу, относящихся к спальне. Количество растений необходимо свести к минимуму, особенно исключить все вьющиеся растения. Согласно, Фен-Шуй во время сна они отбирают энергию у человека. Поэтому, если у тебя подоконник похож на ботсад и сплошь уставлен вазонами с растительностью, то на ночь отгораживайся от окна и зелени плотными шторами. Кроме того, в спальне нельзя ставить аквариум и другие «водные» предметы – это пагубно сказывается на романтической удаче. Кстати, компьютер и телевизор, находящийся в спальне, особенно напротив кровати сказываются подобным образом. Поэтому Фен-Шуй советует избавить от них спальню в первую очередь. Таким же энергетическим «вампиром» в спальне согласно Фен-Шуй есть зеркала. Ни в коем случае нельзя вешать зеркала так, чтобы в них отражались спящие. Но, если тебе так уж необходимо зеркало в спальне, то завешивай его каким-нибудь красивым платком или просто тканью. А еще обязательно сними полки над своей кроватью и выдвини ее из угла – сразу начнешь высыпаться, и секс станет феерическим.

11. Возникновение романского стиля в интерьере приходится на 800 год нашей эры. Произошло это после падения Римской империи. Романский стиль в интерьере основан на Византийском стиле, на раннехристианских формах, а также искусстве народов северной Европы. романский стиль отличается простотой интерьера и материалов, используемых в нем, а также небольшими декоративными деталями. В романском стиле впервые появляется понятие занавесей и штор. Это связано с тем, что пространства во время античности были без окон, а здания в период раннехристианской эпохи имели небольшие окна из цветного стекла, поэтому данные интерьеры не требовали штор Несмотря на то, что романская архитектура носит тяжеловесный замковый характер и окон там тоже не так много. В ней присутствуют полу- и круглые окна, которые стали украшать поперечными занавесями. Полукруг являлся типичной формой окна в романском стиле, поэтому гардинная жердь или карниз этой эпохи были круглыми. В тоже время резная зигзагообразная линия украшала простую архитектуру внутренних помещений. Карниз или жердь делали из темного дерева, как и мебель. Дополнением к поперечным шторам в интерьере романского стиля присутствовали ковры и тяжелые драпировки, которые служили защитой от холода. лавным достижением Римлян стало совмещение греческого ордера (систему правил сочетания формы и размеров архитетктурных элементов) с италийской аркой и цилиндрическим сводом. Так появилась арочно-ордерная ячейка. Таким примером стала триумфальная арка. Поэтому античному стилю характерна куполообразность конструкций и предпочтение арочным проёмам и предметам интерьера. Обязательный атрибут этого стиля – статуи античных героев и бюсты древнегреческих мыслителей.

12. Считалось, что в основе перемен лежало введение стрельчатой арки, которая своей формой подчеркивала устремленность всего здания ввысь, ее появление связывалось с арабским влиянием.

В готической архитектуре применялся базиликальный тип храма. В основе зданий периода готики лежала новая конструкция свода с устойчивой каркасной системой. Центральный неф готического храма обычно был выше боковых, и часть нагрузки принимали на себя аркбутаны - специальные подпружные арки, соединявшие основание свода центрального нефа с контрфорсами (специальными подпорными столбами) бокового. Такая конструкция позволила значительно облегчить все сооружение и максимально расширить внутреннее пространство здания, почти убрав стены.

Важная деталь готического здания - огромные окна, которые как бы заменили стены и заняли все промежутки между опорами. Окна украшались цветными витражами. Все внутреннее пространство благодаря витражам, было насыщено светом, окрашенным в различные цвета.

Снаружи у готического здания обычно две башни на фасаде, а между ними - круглое большое окно, так называемая "готическая роза".

Ощущение легкости подчеркивалось и внутренним декором. Гладкая поверхность стены исчезла, а своды перерезала сеть нервюр; везде, где возможно, стена вытеснилась окнами, расчленилась нишами или арочками.

Предметы мебели периода готики были достаточно тяжелыми и неуклюжими, они как правило располагались вдоль стен. На шкафах, кроватях, стульях встречались самые различные элементы церковной архитектуры.

Позже на деревянных изделиях начинает использоваться геометрически точный орнамент, достаточно причудливый и вычурный.

Изделия мебели восходят корнями к церковной обстановке. Мебель украшается ажурным, растительным орнаментом, ленточным плетением. Характерная черта этого периода - стилизованный резной орнамент, представленный на изделиях мебели в виде выгравированного кожаного свитка или имитации фактуры ткани, уложенной причудливыми складками.

Один из основных видов мебели - сундук, выполняющий самые разные функции. Сундуки изготавливались из различных пород дерева и были украшены фигурной лепниной, богатыми металлическими вставками.

Повсеместно использовались скамьи. Они были самых разнообразных видов, например, с нижней частью, похожей на сундук, с высокой спинкой.

Кровать в готическом стиле была снабжена балдахином, а в европейских странах с более мягким климатом его заменила деревянная конструкция, украшенная резьбой, филенками и отделкой разных цветов.

13. Эпоха Возрождения (Ренессанс) - период культурного и идейного развития европейских стран. Все страны Европы прошли через этот период, но для каждой страны из-за неравномерности социально-экономического развития существуют свои исторические рамки Возрождения. художники этого времени не только копировали старые образцы, но и вкладывали в них качественно новое содержание. Ренессанс не следует считать художественным стилем или направлением, так как в эту эпоху существовали различные художественные стили, направления, течения Гуманистический пафос эпохи наилучшим образом воплотился в искусстве, которое, как и в предшествующие века, ставило своей целью дать картину мироздания. Новым было то, что материальное и духовное пытались объединить в одно целое. Трудно было найти человека, равнодушного к искусству, но предпочтение отдавали изобразительному искусству и архитектуре. Характерными чертами интерьера в стиле ренессанс стали большие помещения, имеющие округлые арки, отделка резным деревом, самоценность и относительная независимость каждой отдельной детали, из которых набирается целое. Строгая организованность, логичность, ясность, рациональность построения формы. Четкость, уравновешенность, симметрия частей относительно целого. Орнамент подражает античным образцам. Элементы стиля ренессанс заимствовались из арсенала форм греко-римских ордеров. Таким образом, окна стали делаться с полукруглыми, а позднее с прямоугольными завершениями. Интерьеры дворцов стали отличаться монументальностью, великолепием мраморных лестниц, а также богатством декоративного убранства.

Глубокая перспектива, пропорциональность, гармоничность форм — обязательные требования эстетики Ренессанса. Характер внутреннего пространства во многом определяется сводчатыми потолками, плавные линии которых повторяются в многочисленных полукруглых нишах.

Цветовая гамма ренессанса мягкая, полутона переходят друг в друга, никаких контрастов полная гармония. Ничто не бросается в глаза.

Основные элементы стиля Ренессанс:

полуциркульные линии, геометрический рисунок (круг, квадрат, крест, восьмиугольник) преимущественно горизонтальное членение интерьера;

крутая или пологая крыша с башенными надстройками, арочные галереи, колоннады, круглые ребристые купола, высокие и просторные залы, эркеры;

кессонный потолок; античные скульптуры; лиственный орнамент; роспись стен и потолка;

массивные и визуально устойчивые конструкции; бриллиантовый руст по фасаду;

форма мебели – простая, геометрическая, основательная, богато декорированная;

цвета: пурпурный, синий, желтый, коричневый.

14. Барокко тяготеет не просто к пышности и роскоши изобразительных средств, но и продолжает тему «богатства» в цветовой палитре: цвет красного вина, изумруда, сапфира, золотой цвет. Фасады зданий стали похожи на изысканные торты. Самыми популярными барочными цветами интерьера были белый в сочетании с золотым.

Барокко играет контрастами: обилие теплых красок позолоты противопоставляется холодному блеску мрамора Роскошь и великолепие интерьера стиля барокко усиливает соответствующим образом оформленная мебель, которая, начиная с семнадцатого века, становится все более и более разнообразной.

Элементы декора барокко внушительны по объему, в них часто применяется резьба, металлические накладки из бронзы и благородных металлов, а также мозаика из различных пород дерева (интарсия).

Эпоха барокко оставила потомкам такой предмет, как шезлонг (chaislonge – «длинный стул», на котором можно сидеть и лежать, а также так называемые канапе – кушетки на шести или восьми ножках.

Особенно много модификаций придумано для такого элемента интерьера, как кровать. Варианты кроватей с различного вида балдахинами часто украшали султанами из перьев страуса.

Ложе опиралось на скульптуры в виде женских торсов, в ногах ложе опиралось на подобие античных ваз. Кровать в эпоху барокко была одним из наиболее пышно убирающихся предметов интерьера. Гостей часто принимали лежа в постели, поэтому постепенно кровать приобрела форму шатра с обилием украшений.

На смену царившим в эпоху Возрождения сундукам (кассоне) в эпоху барокко пришли комоды, книжные шкафы и бюро.

Освещение при помощи свечей придавало интерьерам семнадцатого века неповторимое романтическое звучание, оно передавалось на картинах художников того времени.

Именно под свечи были придуманы разнообразные приборы освещения, которые от чисто утилитарного назначения стали самостоятельными элементами декора. Это – канделябры и жирандоли, шандалы и подсвечники.

15. Блестящим завершением стиля барокко стал стиль рококо. В отличие от барокко, где требовалась вся гамма эмоций – от трагедии до радости, для наслаждающихся рококо достаточно было лишь изящных и изысканно тонких. Для данной эпохи «изящный» становится ключевым словом. Именно в это время мы можем наблюдать уход от жизни в мир театрализованной игры, фантазий, пасторальных и мифических сюжетов с налетом эротизма.

В эту эпоху в моду входит шинуазри и «китайщина». В интерьерах стали появляться передвижные ширмы, которые позволяют визуально изменять пространство; знаменитый китайский фарфор, тонкоствольные деревья, изысканные орхидеи, аквариумные рыбки, изящная лакированная мебель китайских мастеров; гобелены с изображениями людей в китайской одежде, цветов и пагод.

Большая часть построек рококо является загородными дворцами и частными домами французской знати. Комнаты в этих домах образовывали ассиметричные композиции, в центре которой располагался парадный зал. Все стены комнат закругляются. Их украшают позолоченными орнаментами, зеркалами, расширяющими пространство и придающими ему неопределенность, резными панелями. Для создания атмосферы интимности, характерной для будуаров, комнаты делают пониже и поменьше.

В формах мебели рококо виден полный отказ от прямых линий, симметрии и архитектоничности (автономность отдельных элементов конструкции). Основной целью является стремление к растворению деталей в общем объеме предметов. Это хорошо видно по предметам мебели рококо, как будто отлитой из единой пластичной массы.

Резьба по дереву при декорировании мебели занимает весьма скромное место. Ей на смену приходят бронзовые накладки, которыми к тому же удобно обрабатывать готовые отполированные и отшлифованные поверхности предметов. Часто вместо фанеровки всю поверхность предметов мебели обрабатывали цветными лаками, после чего декорировали золоченой резьбой и накладками.

В интерьерах появляются такие чисто женские предметы мебели, как стоящий на высоких ножках секретер, картоньерка (специальный шкафчик для бумаг), разнообразные тумбочки, туалет с откидным зеркалом.

16. В Италии промышленный переворот начался в 40-х гг. XIX в. Фабрич­ное производство развивалось главным образом в северных районах стра­ны, тем самым усугублялась экономическая отсталость Юга. Окончатель­ную победу над кустарным производством и мануфактурой крупная ма­шинная индустрия одержала в последней трети XIX в. введение стандартизации при всей своей очевидной пользе послужило еще одним аргументом для противников технического прогресса в споре относительно социальной роли техники и искусства, начавшемся в середине XIX в., в котором приняли участие философы, социологи и дея­тели искусства.

17.Рассматриваемая с этих позиций деятельность немецкого Веркбунда - Германского художественно-промышленного союза - является неотъемлемой частью истории европейского дизайна XX в. В числе его основоположников были видные архитекторы и художники: Мутезиус, Ван де Вельде, Беренс, Ле Корбюзье и др. Веркбунд ставил своей целью реорганизацию строительства и ремесел на современной промышленной основе. лены Веркбунда создавали образцы для промышленного производства - утварь, мебель, ткани и т. п., стараясь придавать им простые, целесообразные, функционально оправданные формы. Они выступали против традиционных эстетических воззрений и кустарной изобразительности в прикладном искусстве. Своей основной целью Веркбунд объявил «облагораживание немецкой работы сотрудничеством искусства, ремесла и промышленности путем воспитания и пропаганды», «одухотворение немецкой работы подъемом ее качества». Кроме того, Веркбунд развернул бурную деятельность по пропаганде своих идей в самых широких слоях общества. Им выпускалась масса общеобразовательной литературы, публиковались выступления по актуальным художественным проблемам, читались программные доклады. Объединение было активным участником всех дискуссий и выставок, посвященных темам «ремесло - прикладное искусство - промышленность», а со временем стало организатором регулярных собственных выставок.

18 Выражением прошлого сознания была Академия, она способствовала раздельному существованию двух видов творческой жизни –– производственной и ремесленной –– независимо от деятельности художественно одаренных людей, которая протекала в полной изоляции. В великие эпохи, напротив, вся общая производительная деятельность тесно зависела от художественно одаренной личности, ибо она находилась в центре и опиралась на те же основы производства и те же практические знания, что и любые другие труженики снизу доверху. Художник обладал профессией, поддававшейся изучению, несмотря на различные непонятные случаи в творчестве, приводившие к ошибкам. Обучение в Академии вело к тому, что художественная индивидуальность совершенствовалась в ущерб социальным нуждам. Такое обучение ограничивалось лишь методом графического и живописного изображения вне всякой связи с особенностями реальных материалов, техникой и производством. Но со второй половины XIX века началось движение против пагубного влияния Академии: Рёскин и Моррис в Англии, ван де Вельде в Бельгии, Ольбрих и Беренс и другие в Германии, Веркбунд –– все они пытались найти и определить путь для восстановления утерянного единства материального производства с художественным творчеством. В Германии возникли школы прикладного искусства, которым надлежало заняться подготовкой художественно одаренных личностей для промышленности и ремесленного производства. Но дух Академии был еще жив, и это производственное образование оставалось дилетантским; его основу продолжало составлять традиционное рисование «проектов». Таким образом, попытки сломить старое, не преобразуя всего в целом, не меняли отношения между жизнью и «искусством для искусства». С другой стороны, в области ремесленного производства –– прежде всего в индустрии –– тоже изыскивали средства для привлечения сюда художника. Наряду с прежними требованиями техничности и общей качественности вещи стали выдвигать и требования красоты внешних форм изделия, добиться которых прежним производственным методом было нельзя. Тогда начали покупать «художественно решенные проекты». Но это была попытка с негодными средствами, поскольку художник оказался чужд вещи, он ничего не понимал в ее техническом и реальном изготовлении и не мог связать свои формальные предложения с практическими возможностями их выполнения. Не хватало специально обученных художественно одаренных людей, которые могли бы внести в производство необходимую целостность на основе требований создания нового единства всех форм.

В Государственном Баухаузе в Вейморе впервые предпринята попытка широко воплотить эти идеи на практике.

Весной 1919 года Вальтер Гропиус принял на себя руководство Саксонско – Вейморской школой прикладного искусства и Саксонско – Вейморской Высшей школой изобразительного искусства, обьеденив их в одно целое под общим названием «Государственный Баухауз». Соединение умозрительной работы в Академии с практической деятельностью в Школе прикладного искусства дало возможность начать выполнение общего плана перестройки обучения художественно одаренных людей.

Ведущим принципом, которым была подчинена вся работа, являлось стремление к слиянию всех видов художественного творчества, к воссоединению всех прикладных дисциплин с новой архитектурой в качестве её неотъемлемых частей. Конечная, хотя и далёкая цель Баухауза –– единое художественное произведение –– здание, в котором исчезают границы между монументальным и декоративным искусством. Господствующей идеей Баухауза была идея создания нового единства, идея синтеза вместо «искусства», «направлений», и достижение неделимого целого, соответствующего внутренней целостности человека и получающего свой смысл и назначение в реальной жизни.

19. Архитектурный, педагогический и производственный факультеты ВХУТЕМАС (1920-1930). Разработка В.Таплиным методологии художественного конструирования бытовой вещи и ее внедрение в обучение. Мастерские И.Жолтовского, Н.Ладовского, И.Голосова, К.Мельникова и А.Родченко. Интерьер, мебель, одежда, ткани в проектах ВХУТЕМАСа.

20. Дизайнеры, художники бились над вопросом: какой же должна стать одежда нового времени? Анализируя историю костюма, важно понять ту роль, что сыграли в его формировании обе мировые войны, ставшие центральными событиями XX века. Но, помимо социальных потрясений, на развитие мировой моды особое влияние оказали отдельные личности, творцы Haute couture («высокой моды»). Именно они решали, что и как следует носить, вводили новые стили, разрушали стереотипы, влияли на общественный вкус. Новые средства массовой информации стали тем инструментом, с помощью которого Haute couture распространялась по всему миру. выдающиеся дизайнеры одежды, такие как Чарлз Фредерик Ворт, Жак Дусе и Жанна Пакен по-прежнему оставались приверженцами чувственной эстетики модерна. Они стремились найти идеал красоты, сочетая роскошь с элегантностью. Изысканные творения их гения требовали удлиненных корсетов для искусственного формирования 8- образного силуэта. Такие корсеты искажали естественные пропорции тела и сильно ограничивали свободу движений. Женщины, особенно из высшею общества, не могли игнорировать эти модные веяния, но стремились любым способом избавиться от строгих правил, предписывающих им носить столь неудобную одежду. Именно поэтому особой популярностью стали пользоваться так называемые домашние «чайные платья», отличающиеся свободным силуэтом, позволяющим женщинам незаметно распускать корсеты.

32. Ле Корбюзье (Le Corbusier). Он безусловно гениален, кем бы он ни был на самом деле. Ле Корбюзье сделал настолько много, что теперь уже не важно, кем он был - гением своего времени, заглянувшим в будущее, талантливым компилятором или тем, кто украл незамеченные идеи и сделал их своими открытиями. Он работал в то время, когда хорошие ученики сами быстро становились учителями, когда родилась масса прогрессивных качественных идей, а реализация их была столь скорой, что авторы могли оказаться плагиаторами, в то время, когда архитекторы были сообществом. Ле Корбюзье — один из наиболее заметных зодчих двадцатого века, пионеров современной архитектуры, создатель новаторских сооружений в духе модернизма. Одним из первых использовал в своих зданиях железобетонный каркас, крыши-террасы, большие плоскости остекления на фасаде, открытые опоры в нижних этажах зданий, свободную планировку этажей. Взгляды Ле Корбюзье, изложенные им в многочисленных книгах, а также его постройки оказали исключительное влияние на всю практику архитектуры нового времени.

33. Материалы хай-тек - стекло, металл, натуральное дерево. Формы и пропорции мебели хай-тек тщательно продуманы. Полное отсутствие украшений в хай-тек компенсируется "работой" материала: игрой света на стекле, блеском хромированных и металлических поверхностей политурой древесины и тд. Стекло, так же как и металл, трубы - излюбленный материал хай-тека. Металл и стекло. Стекло и металл. Немного пластика. Строгость и простота конструкций. Прямизна линий. Никакого дерева, сложной отделки и обоев в цветочек. Таков рецепт правильного интерьера от хай-тек. Для интерьера в стиле хай-тек идеальной является мягкая мебель, отличающаяся простотой геометрических форм. Гладкие светлые однотонные стены — обязательный признак легкого хайтековского интерьера. Наиболее подходящие цвета: белый, светло-серый, бежевый и песочный. Профессионалы советуют отказаться от обоев и отдать предпочтение краске.МИНИМАЛИЗМ

Для деконструктивистских проектов характерны визуальная усложнённость, отказ от рациональной конструкции, неожиданные изломанные формы, криволинейные поверхности, наклонные стены, обратная перспектива, подчёркнуто агрессивное вторжение в городскую среду. Деконструктивизм — направление в современной архитектуре, основанное на применении в строительной практике идей французского философа Жака Деррида.

34. Стиль поп-арт, захвативший в пятидесятые-шестидесятые годы XX в. Америку, а затем и Европу, сегодня больше ассоциируется с картинками героев комиксов (творениями Роя Лихтенштайна) и многократно дублированными изображениями супов Кемпбелл, банок кока-колы, а также портретами Мерилин Монро и Элвиса Пресли работы Энди Уорхолла.

В мебели поп-арт ассоциируется с обтекаемыми формами и "кислотными" цветами. Абстрактный рисунок, кричащая расцветка, глянцевые поверхности и, конечно же, пластик, изобретенный в те годы, - неотъемлемые признаки этого направления в дизайне.Родившись как демократическое искусство, "осваивающее" предметы массового потребления, поп-арт стал стилем для избранных, "для тех, кто понимает".

При этом второй смысл слова английского слова "pop" остается неизменным. Это междометие ("хлоп" или "бух") все из тех же комиксов. Интерьер, выполненный в духе поп-арта, неизменно привлекает к себе внимание неожиданными эпатажными приемами.

35. Начинается французская карьера Кензо. Он работает в нескольких магазинах, создавая для них оригинальные модели. Вскоре его приглашает на работу Pisanti, и под его руководством он осваивает технику работы на ткани. Также он создает модели для Rodier, журналов Elle и Jardins des Modes. Чуть позже на блошином рынке Кензо встречает владельца бутика в Галерее Vivienne, который готовится открыть магазин second-hand. Кензо получает приглашение участвовать в проекте и соглашается.

36. Молодое поколение итальянских дизайнеров начиная с 1960-х годов выдвинуло концепцию, противоположную модернистким принципам "хорошего дизайна" - бунтарский "антидизайн", обращавшийся к массовой культуре. В 1976 году на волне этого движения возникла группа "Алхимия" под руководством А. Мендини, охватывавшая широкий спектр творческой деятельности - архитектуру, сценический дизайн, декорирование, одежду, полиграфию.

Группа Мемфис объединилась из нескольких групп антидизайна 11 декабря 1980 года под руководством 64-летнего Этторе Соттсасса, ранее сотрудничавшего с Алхимией.

Идеей «Мемфиса» было то, что существующий метод дизайна противоречит современному состоянию человеческого общества. Мир стремительно меняется, темпы смены модных циклов ускоряются. Дизайн, ориентированный на абсолютное и вечное, недолговечен. Дизайн нужно было приблизить к потребностям общества, согласовать его с законами устаревания, или, наоборот, сделать "надмодным" - то есть изъять из него формальные стилеобразующие черты.
Основной целью группы было возрождение «радикального дизайна» - яркого, цветного, в чем-то анархичного, но при этом забавного и привлекательного. Соттсасс рассматривал дизайн как конструирование не просто вещей, а игрушек, отвлекающих людей от насилия и морализаторства, открывающих глаза.

Дебют группы состоялся на мебельной выставке 1981 года в Милане: мебель ярких цветов с вызывающими геометрическими рисунками из ламинированного пластика, необычной формы. Произведения резко контрастировали с принципами "хорошей формы", преобладавшей в дизайне модернизма. Работы группы Мемфис вышли за рамки дизайна, объединившись с поп-артом как с искусством.

Группа Мемфис стала международной, на разных этапах в нее входили такие архитекторы и дизайнеры, как Ханс Холлейн, Широ Курамата, Питер Шир, Хавьер Марискаль, Масанори Умеда и Майкл Грейвс.

Группа Мемфис распустилась в 1988 году (МВ Соттсассу надоело). Практические работы группы послужили одним из толчков для распространения постмодернизма в дизайн.

39. Прет-а-порте (Prêt-à-Porter) переводится с французского «готово для одевания, ношения». Английский вариант Ready-to-wear (готовое, чтобы надеть, готовое, чтобы сразу носить). модели готовой одежды, которые производятся большими партиями и в стандартных размерах. Одежда продается как в маленьких магазинах — бутиках, так и в крупных универсальных магазинах. Эти модели могут быть созданы вне салонов мод, для массового производства, но также в более эксклюзивном порядке по дизайнам ведущих модельеров. Прет-а-порте де люкс" было придумано как замена "Высокой моде", нечто среднее между сверх-дорогими нарядами ручной работы по индивидуальным меркам и готовым платьем, сшитым по лекалам (то есть прет-а-порте). Обычно линия дорогой "люксовой" готовой одежды различных домов мод.

Поиск по сайту: