Часть третья. Эпоху Средневековья постепенно стала сменять эпоха Возрождения (Ренессанс)

Эпоху Средневековья постепенно стала сменять эпоха Возрождения (Ренессанс). Самой первой в новую эру в искусстве, и в театре в частности, вошла Италия. Национальное искусство без использования античных образцов создавали комики-потешники, актеры и шуты. Их игра основывалась на реакции зрителей на происходящие события, приходилось по ходу представления импровизировать, следуя собственной интуиции. Разыгрывались сценки из жизни, чаще всего веселые, но иногда попадались и грустные. Героями этих спектаклей были современники – горожане, сельские жители, богатые и бедные, купцы и ремесленники, бродяги и многие другие. Сюжеты представлений были просты и банальны. Молодые мечтали и стремились жить как хочется, не слушали старших, следуя своим инстинктам, а вовсе даже и не разуму. Старшее поколение с удовольствием заглядывалось на юных красоток, слуги мошенничали и выкручивались кто как мог, богатые больше всего прочего боялись потерять свои деньги, бедные хотели жить как можно лучше и изобретали различные способы, как бы этого добиться. Постепенно в спектаклях стали появляться постоянные персонажи – маски: Арлекин, Коломбина, Пьеро, Бригелла, Панталоне и другие. Такой театр получил название «комедия масок» (comedia dell’arte). Каждому персонажу соответствовала определенная маска-характер. Также у всех были настоящие маски, являвшиеся частью сценического костюма. Они указывали на особые качества героя: профессиональную принадлежность (доктор, философ всегда должны были носить очки), социальную принадлежность (хозяин, купец, иностранец). На сцене комедии дель-арте действовали десятки масок, но главными оставались четыре. На севере и юге Италии образовывались разные квартеты. В Венеции (северная часть) такой квартет состоял из Панталоне, Доктора, Арлекина и Бригеллы. В Венецианский (южный) входили Ковьелло, Пульчинелла, Скарамучча и Тарталья. Для неаполитанских масок, энергичных и шумных, характерно было большое количество смешных моментов, озорства, трюков, не относящихся к основному содержанию сценок. Северные маски были более солидны, сдержаны, иной раз даже драматичны. Часто венецианские маски использовались и в последующих эпохах, встречаются они и в современном театре. Душой комедии были

маски дзанни, то есть слуг. В северном квартете слугами были Арлекин и Бригелла. Бригелла – хитрый, злой, болтливый. Он расчетлив, из всего происходящего старается извлечь личную выгоду. Интриган, водит людей за нос, бессовестно их надувает.

Арлекин – изначально простой деревенский парень, не унывающий даже в самых тяжелых ситуациях; иногда влюблен. Однако с течением времени характер этого персонажа усложнялся. Появился соперник в любви – Пьеро. Однако изобретательный, иногда даже нахальный Арлекин всегда побеждал романтика Пьеро, уводил у него Коломбину. В маску Коломбины превратилась более ранняя – Серветта или Фантеска. Арлекин обязательно носил шапочку с заячьим хвостом и костюм в заплатах. Позже, уже во Франции, лохмотья и заплаты превратились в праздничные пестрые треугольники и ромбики.

Панталоне был предметом всеобщих насмешек. Как правило, это был старик, который заглядывался на молоденьких девушек, либо брал себе молоденькую жену, и начинает тиранить ее. Некогда отважный мореплаватель, он продолжает вести себя так, будто до сих пор является покорителем морских просторов. Доктор – это также комический персонаж. Этот герой преисполнен уважением к себе, ведь он юрист, профессор старейшего в Европе университета. Но его «ученость» осталась уже в далеком прошлом. Он постепенно забывает все то, что знал: ужасно перевирает латинские цитаты, путает имена и т.д. Говорит он грамматически верно, но часто его высказывание лишены всякого смысла, что вызывает насмешки.

Маски южного квартета оказались не столь популярны, как северные. Самая живучая и любимая из них – Пульчинелла, верный слуга, умный, саркастичный. Этот персонаж чаще всего носил черную полумаску, говорил в нос. Иногда Пульчинелла был не молодым слугой, а скорее аналогом «северного» Панталоне. На голове у него была остроконечная шапочка, на боку – деревянная шпага. Поэтическую сторону comedia dell’arte определяли идеализированные образы "влюбленных", выступавших без масок и говоривших на литературном итальянском языке.

Актеры – творцы масок пользовались неслыханной популярностью далеко за пределами Италии. Бродячие труппы актеров подвергались постоянным гонениям со стороны светских и духовных властей и часто были вынуждены уезжать из Италии.

С конца 16 в. актеры comedia dell’arte выступали во Франции, Испании, Англии. Их творчество воздействовало на формирование национальной комедийной драматургии и сценическоео искусство в этих странах. Особенно заметно влияние comedia dell’arte. на драматургию Мольера.

В результате гастролей итальянских актеров в Париже возник театр "Комеди Итальенн". Под влиянием античного искусства возник новый жанр – пастораль (от латинского pastoralis – пастушеский). Источник пьес – буколистическая поэзия, рассказывающая о простых развлечениях пастухов и пастушек. На зеленых лугах под лучами ласкового солнца герои персонажи пасторалей пребывали во власти великого чувства – любви.

В отличие от комедии, где действующие лица заботились о телесном наслаждении, здесь мечтали о духовных пирах. Театр английского Возрождения своим расцветом обязан Уильяму Шекспиру. В то время к драматургии не относились как к серьезной литературе. Пьесы не издавались – их писали как сугубо рабочий материал, текст, который актеры должны были произносить со сцены.

В Лондоне существовали частные, публичные и придворные театры. В 1594 году Шекспир вступил в труппу в качестве актера. Носила она название «слуги лорда-камергера». Он никогда не играл заглавные роли, зато стал драматургом труппы. В театре Шекспира поиски счастья и гармонии неотделимы были от осознания всей трагичности окружающего мира, жизни, а восхищение человеком – от понимания двойственности человеческой натуры, сочетающей в себе добро и зло, щедрость и алчность и пр. Он сам был актером, и никогда не забывал, что пишет для сцены.

Шекспир считал, что драматическое действие должно быть зрелищным, динамичным и эффектным. Важнейшая роль отводилась слову. Театр Шекспировской эпохи был практически лишен декораций. На сцене находились лишь те предметы, которые были необходимы по ходу действия (чаще всего это были предметы мебели). В Шекспировском театре очень важное место занимала музыка. Актеры должны были играть на всевозможных музыкальных инструментах. Кроме того, действие разнообразили песни и танцы, что очень украшало спектакли, придавало им атмосферу праздника. Самым главным в театре Возрождения оставался актер, чьи голос, пластика, мимика, темперамент завораживали зрителей, заставляли верить в происходящее на сцене.

Театр Шекспира стал вершиной развития художественной культуры Англии XVI – XVII веков. Именно здесь была преодолена грань между литературной драмой и сценой.

В Испании театр возник в 30-е годы XVI века. На первых порах театральные труппы были кочевыми, постоянно переезжали из города в город.

Испанский театр эпохи Возрождения создал Лопе де Вега. Родился он в Мадриде, однако свою театральную деятельность начал в Мадриде, где возглавил небольшую группу молодых драматургов. Писал Лопе де Вега много и очень быстро. Имея большое количество материала, скоро драматург приобрел неслыханную популярность. Довольно редкий случай – его слава была велика еще при жизни, да и сейчас вызывают интерес у публики различные постановки «Собаки на сене» и «Учителя танцев». Пьесы показывались как в публичных театрах, так и на придворной сцене, а также во время праздников на городских площадках и в деревнях.

Жизнерадостные и поэтичные комедии укрепляли веру и вселяли оптимизм, утверждали способность любого человека к героизму независимо от происхождения. Испанский театр убежденно доказывал, что все самые высокие, сильные и светлые чувства рождаются в обычной, повседневной жизни. Герои отстаивали свои права на эти чувства, используя для этого всевозможные игры и уловки. Суть театральных творений Лопе де Веги составляли празднества, творимые на глазах у публики.

Испанские актеры выполняли все пожелание драматурга и режиссера, выкладывались на все сто процентов, стремясь увлечь зрителя. Нередки были случаи, когда они обращались к зрителям прямо со сцены за советом, сочувствием или поддержкой. Зрители обступали площадку, часто даже сидели на краю самой сцены. Они любили театр, ощущали себя участниками действа, подбадривали актеров. Бурно выражали свое недовольство игрой артистов, если она их не удовлетворяла.

Постепенно в спектаклях стали появляться драматические мотивы, ведь авторы, артисты, да и сами зрители перестали представлять жизнь только лишь как нескончаемый праздник, неприятности на котором встречаются крайне редко, а если это и происходит, то преодолеть их можно без особого труда.

В театральные постановки стала очень активно вмешиваться католическая цензура. На каждом представлении обязательно должен был присутствовать представитель властей, задачей которого было следить за порядком на сцене и среди зрителей.

К 1625 году в Мадриде остался только один театр, а через некоторое время было разрешено играть только один спектакль в неделю.

Поиск по сайту: