Витражи

Билет

Модерн (фр. moderne — новейший, современный) — одно из названий стилевого направления в европейском и американском искусстве кон. ХІХ — поч. ХХ век. В Бельгии, Великобритании и США, он известен как «новое искусство» (Art Nouvean), в Германии — «Югенд-стиль» (Jugend Stil), в Австрии — «стиль Сицессиона» (Sezessiostil), в Италии — «стиль Либерти» (Stile Liberty), в Испании — модернизм (modernismo). Модерн возникает в условиях кризиса буржуазной культуры, как один из видов неоромантического протеста против антиэстетичности буржуазного образа жизни, как реакция на усилие позитивизма и прагматизма.

Стиль «модерн» объединяет много относительно самостоятельных направлений и течений: кубизм, футуризм, имажинизм, сюрреализм, абстракционизм, поп-арт. Основные эстетичные принципы модернизма в искусстве — отрицания изображаемого, абстракционизм и поп-арт

Однако в стиле модерн, как универсального стиля в свое время, возводились исчислении деловые, промышленные и портовые сооружения, вокзалы, театры, мосты и тому подобное.

«Зрелое» модерн (начало ХХ ст.) приобретает черты интернационального стиля, который базируется на применении принципиально новых художественных форм. В противовес эклектизма с его интересом к достоверности воссоздания отдельных деталей исторического и национального стилей, модерн стремился возродить дух стилевого единства художественных организмов. Это обусловило возникновение нового типа художника-универсала, который совмещает в одном лице архитектора, графика, живописца, дизайнера и теоретика. Идея синтетического, целостного произведения искусства воплотилась в архитектуре интерьеров, ритмічній согласованности линий и тонов, единства деталей декора и обстановки, целостности пространства, усложненного и расширенного с помощью зеркал, живописных панно и тому подобное.

Основным средством выражения в стиле модерн является орнаментом, который не только украшает творение, но и формирует его композиционную структуру. В интерьерах бельгийских архитекторов утончены линейные плетения, подвижные растительные узоры рассыпаны по стенам, полу и стелле. Концентрируясь в местах сочетания последних, они совмещают архитектурные плоскости, активизируют пространство. Бесконечно подвижные, чувственно насыщенные линии декора несут духовно эмоциональный и символический смысл, совмещая изобразительное с абстрактным, существ с несуществами, одухотворенное с материализованным.

Орнамент модерн, что во всех видах искусства структурно организует плоскость и своеобразный ритм его искусственных линий, формировался в графике.

Модерн рассматривает художественное творчество как особенную психотехнику, с помощью которой художник стремится преодолеть последствия омертвения культуры, защелкивающийся в пределах своей профессии. Главный смысл художественной деятельности модерн усматривает не в изменении окружающего мира во имя общественного идеала, а в изменении способа изображения этого мира или способа его «виденья»

В живописи и скульптуре модерн, неразрывно связанных с символизмом, есть стремление создать самостоятельную художественную систему. Картины и панно модерн рассматривает как элементы интерьера, его пространственной и эмоциональной организации. Поэтому декоративность стала одним из признаков живописи модерн.

Выразительность живописи достигалась за счет сочетания разноцветных плоскостей, тонкой нюансової монохромії. Поэтика символизма обусловила интерес к символике линии и цвета, расположение к определенным сюжетам и темам: войны, смерти, любовь. К мотивам импульсивного проявления страсти: трепет, игра, поцелуи, объятия

Билет

Архитекту́ра моде́рна (архитектура ар-нуво) — архитектурный стиль, получивший распространение в Европе в 1890-е—1910-е годы в рамках художественного направления модерн. Архитектуру модерна отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, использование новых технологий (металл, стекло).

Модерн - стилистическое направление в европейском искусстве конца XIX - начала XX века. Благодаря Всемирным выставкам оно стремительно распространилось по всей Европе и в первую очередь затронуло архитектуру и декоративное искусство. В Италии его называли растительным стилем или "либерти", в Великобритании - стилем модерн, в Испании - модернизмом, в Бельгии - стилем Вельде, в Австрии - Сецессион, в Германии - Югендстиль.

Стиль модерн возник как реакция на эклектизм, на безжизненное копирование исторических стилей прошлого, а прежде всего - на упадочнические вкусы, следствие коммерциализации изделий промышленного и машинного производства.

Возникновение стиля модерн в архитектуре и прикладном искусстве связано с основанием общества «Искусства и Ремесла» (1883), влияние которого распространилось на европейский континент. Это общество возникло из движения того же названия, боровшегося за возрождение художественных ремесел, и выступало против снижения художественного уровня продукции вследствие перехода к промышленному производству. Непосредственными его предшественниками были художественный и социальный критик Д. Рескин и поэт и художник - прикладник У. Моррис, которые призывали возвратиться к ручному труду, а также вместе с другими художниками и архитекторами по - новому определяли функциональные и формообразующие принципы архитектуры. Они выдвигали принцип целесообразности формы и художественной выразительности

Для модерна характерны извивающиеся линии; в декоре его асимметричные арабески решительно порывают с традицией, создавая растительные мотивы (во Франции и в Бельгии) и линеарные формы (в работах австрийских сецессионистов или шотландского арх. Чарлза Ренни Макинтоша).

Вершины модерн достигает в архитектуре и в прикладных искусствах. В интерьере дома "Тасселя", в Брюсселе, расписанном Виктором Орта, декоративные возможности железа органично используются в мотивах текучести, повторяющихся и в рисунке инкрустированного пола, и в настенных росписях. Эта цельность проекта типична для стиля модерн (Ар Нуво), который охватывает и внутреннее убранство здания, вплоть до столовых приборов. Лестничный пролет — восьмиугольное пространство, окруженное хрупкими железными колоннами, — создан Ортой и в доме Эдмунда ван Эетвель-де (1895—1898) на Авеню Пальмерстона в Брюсселе. Самым изысканным частным домом работы Орты в Брюсселе является отель Сольвей (1894—1900) на Авеню Луиз, который он построил для одного из членов семейства Сольвей.

Заказчики Орты — банкиры, инженеры и предприниматели — были достаточно богаты, чтобы позволить себе заигрывать с прогрессивными политическими взглядами. В частности, они поддерживали основанную в 1885 г. бельгийскую Рабочую партию, для которой Орта подготовил проект Народного дома (1895— 1900, снесен в 1964) в Брюсселе — этот заказ он получил благодаря своим связям с семейством Сольвей. Здание вписывалось в участок странной клиновидной формы на круглой площади Эмиля Вандер-вельде. В широких, изогнутых фасадах кирпич, природный камень, металл и стекло комбинировались с почти намеренной неуклюжестью, напоминавшей попытки, отраженные в Беседах Виолле-ле-Дюка, найти законы конструктивной «честности» архитектуры.

Эксперименты Орта оказали влияние на другого бельгийского архитектора, Анри ван де Вельде, который создал проект галереи для Сэмюэла Бинга(Основные архитектурные проекты: дом "Блуменверф" (Уккель, Бельгия); Фолькванг-музеум (Эссене, Германия); Школа искусств и ремесел (Веймар, Германия); дом Haus Hohe Pappeln (Веймар, Германия); театр Веркбунда (Кельн, Германия); музей Кроллер-Мюллер (Оттерло, Нидерланды).

Во Франции этот стиль был популяризирован Эктором Гимаром, который в декоре станций парижского метро продемонстрировал, как далеко архитектура модерна ушла от традиций. Эксцентричный и специфически декоративный новый стиль использовался для отделки крупных магазинов, которые в это время начинают строиться в больших городах Европы и Америки, символизируя, таким образом, процветание и могущество торговли.В 1898 году построил Замок Беранже, сделавший его известным. С этого момента у него появляется множество заказов, которые он выполняет в стиле модерн, соблюдая идеалы гармонии и непрерывного движения. Также самостоятельно создаёт эскизы мебели для интерьеров построенных им зданий. В 1909 строит Отель Гимар в подарок своей богатой американской жене.

Также декорирует входы на первые станции парижского метро.

Значительное распространение в Европе получила также идея «города - сада», которую в конце XIX в. сформулировал - англичанин Э. Говард в своей книге «Города - сады будущего» (1898). Города - сады рассматривались как небольшие, но самообеспечивающие градостроительные комплексы на 32 тыс. жителей. Они должны были приостановить концентрацию жилья в больших городах и путем соединения жилища с природой способствовать оздоровлению жизненной среды.

Хотя модерн просуществовал всего 20 - 30 лет, влияние его в то время на все виды художественной деятельности было огромно. Следы модерна мы находим во всем: в архитектуре, в живописи, в монументальном искусстве, в книжной графике, плакате, рекламе, дизайне, одежде. От огромного общественного здания до дверной ручки, от монументальной мозаики до изящной вазы на столе, от живописного полотна до ложки и вилки - все носило на себе отпечаток этого стиля, если за дело брались художники, архитекторы и дизайнеры модерна. Все, к чему прикасалась рука художника, должно было стать прекрасным, каким являются природные формы, перед которыми эти художники преклонялись.

Модерн обвинили в элитарности, в вычурности, в манерности, в эклектичности, в отсутствии естественности. Со временем оказалось, что влияние этого стиля на новые поколения художников практически равно нулю, что позволило многим критикам воспринимать модерн как некую «случайность» в закономерном развитии искусства, как некий необязательный арабеск - закорючку на прямой линии этого развития. Художники модерна как будто канули в забвение. И модерн остался неким парадоксом, загадкой.

Билет

В России модерн появился во второй половине 1890-х годов. Новый стиль, в котором стали работать русские зодчие, хотя и пришел из Европы, но и там к этому времени еще не получил окончательного оформления. Поэтому русский модерн развивался в большой степени самостоятельно, наложив отпечаток на многие произведения архитектуры, изобразительного и прикладного искусства.

Федор Осипович Шехтель (26 июля (7 августа) 1859 г. Санкт-Петербург, Россия – 7 июля 1926 г., Москва, Россия) – архитектор, график, сценограф. Считается одним из создателей стиля русского модерна, сочетая различные архитектурные стили. Награжден орденами Св. Анны и Св. Станислава.

Начал свою карьеру с работ в русском стиле, затем весьма успешно проектировал в стиле популярной в то время викторианской готики. В начале 1900—х гг. построил несколько особняков в стиле модерн, ставших классикой этого направления в Москве.

Особняк Рябушинского на Малой Никитской улице является классическим образцом особняка раннего модерна. В противовес "фасадной" архитектуре здесь торжествует кубический объем, подчеркнутый горизонталями сильно вынесенных вперед плит карниза и прихотливо асимметричными выступами стен, массивных крылец, балконов, всякий раз индивидуально неповторимых и потому утверждающих равноценность всех фасадов.

Облицовка светлым глазурованным кирпичом и широкий мозаичный фриз с изображением ирисов, охватывающий поверху здание, выявляют эстетическую выразительность глади стен, прорезанных квадратами больших окон.После 1917 года особняк Рябушинского перешёл во владения города и принадлежал попеременно Наркомату по иностранным делам, Государственному издательству, психоаналитическому институту, детскому саду.

С 1931 года в особняке жил М. Горький. В наше время особняк Рябушинского занимает мемориальный дом-музей Горького.

Особняк Дерожинской

Спроектированный для жены богатого московского промышленника А.Н.Дерожинского, этот особняк в Кропоткинском переулке демонстрирует отказ от изысканной декоративности в пользу монументальной трактовки объемов и форм.

Архитектор Шехтель сосредотачивает конструктивные элементы и объемы вокруг центральной оси здания, прибегая к декоративным средствам. Главное окно, поднимающееся по самый карниз двухэтажного строения, определяет собой всю систему пропорций, и одновременно служит своего рода образом триумфальной арки. Кульминацией этой доминантной конструкции является аттик с двумя бетоннымих цилиндрами, символизирующими «машинный век». В 1930-х гг. особняк Дерожинской стал пристанищем представительства среднеазиатских союзных республик, позднее - резиденции посла Китайской Народной Республики, а теперь - посольства Австралии.

Ярославский вокзал

В 1901 году был утвержден проект перестройки пассажирского здания, составленный Л. Н. Кекушевым (смотреть архитектор Кекушев Лев Николаевич). Шехтель был приглашен для корректировки плана сооружения. Корректировка закончилась проектом нового здания, выполненного в неорусском стиле. Оно включало в себя часть старого вокзала, построенного Левестамом в 1862 году. От проекта Л.Н. Кекушева сохранились колонны из лабрадора – опоры части второго этажа, нависающей над платформой отправления (ныне бывший перрон встроен в существующий зал ожидания).

Воспользовавшись характерным для древнерусского зодчества принципом соединения в одно целое разнообразных по формам и масштабу построек, архитектор выделил объём главного пассажирского зала, соединённого с вестибюлем и аванзалом и обеспечивающего прямой проход к перронам.

В наружном оформлении вестибюля использованы пластически акцентированные формы гигантской входной арки, килевидного козырька над ней, обрамляющих её полукруглых пилонов со стилизованными крепостными башенками, высокой «теремной кровли» с подзором и венчающим гребнем, делающими облик здания неповторимо причудливым.

Вертикальному силуэту вестибюля вторит высокая левая башня с шатровым завершением. Верхнюю часть стен украшают керамические декоративные панно со стилизованными растительными орнаментами приглушённых тонов, соответствующих общему неяркому цветовому решению фасадов, которое должно было рождать ассоциативные связи с образом русского Севера.

Вокзал пережил две крупные реконструкции в советское время 1946–1947 гг. и в начале 60-х годов. Также проводились определенные манипуляции в 1995 году и в новом веке по очередной реконструкции центрального зала.

Гаврии́л Васи́льевич Барано́вский (25 марта [6 апреля] 1860, Одесса — 28 июня 1920, Келломяки) — русский архитектор, гражданский инженер, искусствовед и издатель. Первая работа Барановского для семьи Елисеевых — доходный дом Елисеева на набережной Фонтанки, 64 (1890). Барановский реконструирует многочисленную недвижимость Елисеевых, две его самые известные работы — Дом торгового товарищества «Братья Елисеевы» на Невском проспекте и московский Елисеевский магазин на Тверской.

Среди архитекторов, работавших в Петербурге на рубеже XIX–XX вв., пожалуй, самым титулованным, причем не только в силу графского происхождения, был академик архитектуры Павел Юльевич Сюзор. Почетный член Академии художеств, Санкт-Петербургского и Берлинского архитектурных обществ.

В 1902 г. П. Ю. Сюзор получает заказ на проект здания на углу Невского пр. и наб. Екатерининского канала для Акционерного общества «Мануфактурная компания Зингер». Всемирно известная фирма, решив наладить выпуск швейных машин в России, сочла необходимым разместить в Петербурге свою главную контору и открыть центральный магазин. Этот проект стал этапным в творческой биографии архитектора. Именно на этом объекте впервые в России в качестве несущей конструкции применен металлический каркас. Постройка стала новацией для мастера не только в конструктивном отношении, но и в стилистическом: Сюзор выступает здесь как приверженец модерна. И даже по назначению новое здание не будет иметь аналогов в Петербурге той поры.

Билет

Модерн (фр. Art Nouveau — новое искусство, нем. Jugendstil — молодежный стиль, англ. Stile Liberty — стиль свободы) — международное движение и стиль в искусстве, архитектуре и особенно декоративно-прикладном искусстве, который достиг пика своей популярности на рубеже 20-го века (1890-1905)

Само название стиля «модерн» во многих странах разное. Русскоязычное название «Модерн» в других языках не встречается. На Западе самым распространенным названием стиля можно считать «Ар-Нуво» (Art Nouveau). Так же широко известны названия стиля — «Тиффани» в США, «Югендстиль» в Германии, «Сецессион» в Автсрии, «Модерн Стайл» в Британии.

Школа Нанси стала одним из ярчайших проявлений художественного направления, получившего во Франции название ар-нуво («art-nouveau», с фр. «новое искусство»).

Вообще, пальма первенства в изобретении «ар-нуво» принадлежит скорее Англии, нежели Франции. Именно здесь в 60-х годах 19 века зародилось движение под названием «Искусства и Ремесла» (англ. Arts & Crafts), которое принято считать провозвестником стиля модерн.

Предполагалось, что новое направление станет синтезом искусств и ремесел, будет прибегать к нетрадиционным формам, приемам и материалам, и «ориентироваться на аудиторию», иметь прикладной характер. Время «искусства ради искусства» миновало, считали сторонники ар-нуво, новое искусство должно «служить людям».

Возникновение школы Нанси не в последнюю очередь связано с экономическим подъемом, начавшимся здесь в 50-х годах 19 века, который был вызван строительством канала Марна-Рейн, а также открытием первой железнодорожной станции.

ШКОЛА НАНСИ

Школа Нанси стала одним из ярчайших проявлений художественного направления, получившего во Франции название ар-нуво («art-nouveau», с фр. «новое искусство»).

Вообще, пальма первенства в изобретении «ар-нуво» принадлежит скорее Англии, нежели Франции. Именно здесь в 60-х годах 19 века зародилось движение под названием «Искусства и Ремесла» (англ. Arts & Crafts), которое принято считать провозвестником стиля модерн. Отсюда оно распространилось по всей Европе, став известным как «югендстиль» в Германии, «стиль Сецессиона» - в Австрии, «либерти» - в Италии, «модерн» в Испании, и «ар-нуво» во Франции и Бельгии.

Этот новый художественный стиль, по мысли своих создателей, должен был отразить образ жизни общества нового времени, свободного от аристократических замашек прежних эпох, динамичного, любознательного, прагматичного и потребительского по своей сути. Предполагалось, что новое направление станет синтезом искусств и ремесел, будет прибегать к нетрадиционным формам, приемам и материалам, и «ориентироваться на аудиторию», иметь прикладной характер. Время «искусства ради искусства» миновало, считали сторонники ар-нуво, новое искусство должно «служить людям».

Возникновение школы Нанси не в последнюю очередь связано с экономическим подъемом, начавшимся здесь в 50-х годах 19 века, который был вызван строительством канала Марна-Рейн, а также открытием первой железнодорожной станции. В городе возникла химическая и металлургическая индустрия. Одновременно новый импульс к развитию получили такие традиционные для Нанси производства как изготовление керамики и стекла.

Другим важнейшим фактором, обусловившим превращение Нанси в один из центров «нового искусства» Франции, стала франко-прусская война 1879-1871 гг., которая привела к аннексии Пруссией Эльзаса и Восточной Лотарингии. Жители этих территорий, не желавшие находиться под властью вновь созданной Германской империи, стали активно мигрировать в те лотарингские земли, которые оставались в составе Франции. Для Нанси, принявшего множество переселенцев, это, с одной стороны, означало увеличение количества самых разнообразных специалистов (в том числе людей искусства), а, с другой – необходимость строительства новых городских домов и кварталов (т.е. простор для возникновения архитектуры «нового типа»).

У истоков создания школы Нанси стоят две исторические фигуры: Эмиль Галле (предприниматель, художник-керамист и мастер-краснодеревщик), и Луи Мажорель (мастер-краснодеревщик).

В 1900 году они, совместно с нансийским стекольным заводом Дом (Daum), представили свои работы на Универсальной выставке в Париже (грандиозная индустриальная экспозиция, выставочные площади которой составили 216 га, а количество посетителей - 5 млн. чел.). Это стало первым опытом совместного показа художественных изделий мастерами Нанси. А уже в следующем, 1901 году, Эмиль Галле выступил с открытым письмом, где призывал к созданию региональной организации, которая способствовала бы развитию художественной индустрии Лотарингии.

Этот призыв был услышан, и 13 февраля 1901 года была создана школа Нанси или Провинциальное объединение художественных индустриальных производств. Первым президентом вновь созданной организации стал Эмиль Галле, вице-президентом – Луи Мажорель.

Художественные работы, создаваемые членами объединения, были крайне разнообразны. Среди них можно было обнаружить и изделия из стекла, хрусталя, фаянса и металла, и керамику, и художественную резьбу по дереву, и архитектурные сооружения, и предметы интерьера, и проекты ландшафтного дизайна.

Билет

Луис Комфорт Тиффани 1848- 1933 — американский художник и дизайнер, представитель модерна. Стиль «модерн», в котором работал дизайнер, в США и других странах называют также «тиффани», по имени Луиса Комфорта Тиффани. Международное признание Тиффани принесли его изысканные изделия из стекла: витражи, абажуры, бижутерия. Произведения Луиса Комфорта Тиффани украшают храмы и частные дома. Крупнейшая в мире коллекция его ювелирных и стекольных изделий находится в музее «Метрополитен» в Нью-Йорке. Изобретенный им способ соединения небольших кусочков стекла с помощью медной фольги, а также новые виды созданных им стекол, произвели революцию в художественном стеклоделии. А техника Тиффани стала самой распространенной во всем мире для создания витражей, ламповых абажуров и других произведений декоративно-прикладного искусства из цветного стекла. Родился в Нью-Йорке, в семье основателя ювелирной фирмы «Тиффани и Ко». Обучался живописи.

С начала 1880-х годов Тиффани переключился на дизайн стекла. Постоянно экспериментируя, дизайнер разработал новый вид стекла — «Фавриль».

Техника Тиффани

Свинцовые прутья, использовавшиеся в течение многих веков для соединения стекол между собой, казались Тиффани очень грубыми: он хотел создавать филигранно-тонкие и сложные произведения. Он нашел собственный заменитель свинцовым прожилкам в виде медных полосок, вырезанных из металлического листа. Они приклеивались к стеклу пчелиным воском и спаивались между собой при помощи олова. Таким образом стало возможно соединять мельчайшие кусочки стекла и создавать сложные объемные формы. Первоначально техника медной фольги применялась им для создания ламповых абажуров, и только позже — для витражей. Иногда Тиффани использовал сочетание двух техник в одном произведении, сочетая свинцовую проволоку с медной фольгой.

Фирменным знаком Тиффани стало иризирующее стекло. Его можно получить, если посыпать уже готовое, но еще не охлажденное стекло металлическими крупинками. При этом на поверхности пластины образуется металлический глянец, который переливается всеми цветами радуги.

Иногда технику Тиффани неверно отождествляют со стилем Тиффани. Под Тиффани-стилем подразумевают яркие лампы классических форм с преобладающими натуралистическими мотивами и пестрые витражи насыщенных цветов, изображающие природные мотивы и пейзажи.

Многие работы Тиффани имеют особую притягательную силу, хотя современному зрителю они могут показаться слишком яркими и перегруженными. Когда пытаются объяснить этот эффект, невольно сравнивают произведения Тиффани с живописными картинами. Творчество Тиффани всегда находилось между реалистической манерой изображения и стилизованной, близкой средневековым витражам. Без росписи поверхности стекла он создавал витражи, которые могут сравниться только с картинами. Однако сам Тиффани не считал, что пытается копировать природу. Он интерпретировал ее глазами художника.

Витражи

«Священый град» — Пресвитерианская мемориальная церковь Брауна, Балтимор

«Крещение Господне» — Пресвитерианская мемориальная церковь Брауна, Балтимор

«Нагорная проповедь» — Церковь Арлингтон-стрит, Бостон

«Мемориальный витраж Мэя» — Синагога Эману-Эль, Нью-Йорк

«Образование» (Мемориальный витраж Читтендена) — Йельский университет

Поиск по сайту: