Живопись Англии

В английской живописи академическая школа, основы которой были заложены в XVIII столетии первым президентом Королевской академии искусств Джошуа Рейнолдсом, сохраняла главенствующее положение в течение всей первой половины XIX в. Однако наиболее заметным явлением в те годы оказался пейзаж, который в академической среде воспринимался как второстепенный, незначительный жанр. С одной стороны, стремление к реальному отображению мира, утверждение самоценности простых сельских ландшафтов, а с другой — природа как мир страстей и бурных переживаний — всё это нашло яркое выражение в творчестве английских художников. Искусство Англии вступило в эпоху романтизма.

Поэт и художник УИЛЬЯМ БЛЕЙК стоит особняком в истории английского искусства. Он был гениальным самоучкой — великим фантазером и философом. Личность сложная и неоднозначная, Блейк был для своего времени знаковой фигурой, воплощением духа романтизма. Систематического образования он не получил, однако посещал вольнослушателем Академию художеств. Предвещая искусство конца XIX—XX вв., свою главную задачу художник видел в раскрепощении воображения. В истории искусства областью пристального внимания Блейка было средневековье, из которого он заимствует многие принципы и иконографические мотивы - «Сотворение Адама (Элоим создает Адама)». Сюжет картины заимствован из Книги Бытия: «И создал Господь Бог человека из праха земного, и вдунул в лице его дыхание жизни, и стал человек душею живою». Элоим (древнееврейское имя Бога) буквально создает Адама из земли, кусок которой Он держит в левой руке. Правую руку Элоим приложил к голове Адама, очевидно, наполняя его тело «дыханием жизни». По мнению Блейка, ловушкой для свободного человеческого духа стало его земное существование. И грехопадение, как и последующее изгнание из Рая, произошло не в Эдеме, а в момент дарования духу материальной оболочки. В философии Блейка Богу Ветхого завета, Творцу материального мира, присущи отрицательные качества. Адам изначально порабощен, его ноги на картине обвивает громадный червь или змей, а поза человека аналогична распятию. Такое понимание сюжета — антипод микеланджеловского «Сотворения Адама», изображенного на плафоне Сикстинской капеллы в Ватикане.

Блейк никогда не работал маслом, несмотря на популярность этой техники в XIX в., предпочитая темперу и акварель. Тематика творчества художника чрезвычайно разнообразна. Он писал картины на сюжеты из ветхозаветных текстов - «Сон Иакова» - сюжет заимствован из Книги Бытия. После того как Иаков хитростью получил благословение отца своего Исаака, обманутый Исав возненавидел брата и решил убить его. Узнав об этом, Ревекка, мать Исава и Иакова, отослала Иакова в Харран к своему брату Лавану. Неподалеку от города Луза Иаков заночевал. Он положил себе под голову камень и уснул. Во сне он увидел лестницу, уходящую высоко в небо. По лестнице спускались и поднимались ангелы. Наверху стоял Господь. Он сказал: «Я Господь, Бог Авраама, отца твоего, и Бог Исаака. Землю, на которой ты лежишь, Я дам тебе и потомству твоему. И будет потомство твое как песок земной, и распространишься к морю, и к востоку, и к северу, и к полудню. И все живущие на земле будут благословенны через потомков твоих»; «Навуходоносор» - Сюжет заимствован из Книги пророка Даниила. Навуходоносор, вавилонский царь, на своем пути к истинной вере пережил несколько чудесных и даже невероятных событий. Одно из них было предсказано пророком Даниилом, давшим царю толкование его сна… Однажды Навуходоносор сказал: «Это ли не величественный Вавилон, который построил я во время моего царствования силою моего могущества и во славу моего величия?» Не успел он договорить эти слова, как с неба раздался голос: «Тебе говорят, царь Навуходоносор, царство твое отошло от тебя!» … Тотчас и исполнилось это слово над Навуходоносором, и отлучен он был от людей, ел траву, как вол, и орошалось тело его росою небесною, так что волосы у него выросли, как у льва, и ногти у него — как у птицы. По окончании же «семи времен» возвел Навуходоносор свои очи к небу, и разум вернулся к нему, и благословил он Всевышнего, восхвалил и прославил Присносущного, чье владычество вечное и чье царство — в роды и роды;

из Евангелия - «Притча о разумных и неразумных девах», из Апокалипсиса - «Двадцать четыре старца, полагающие венцы перед престолом». Создавал иллюстрации к сочинениям английских поэтов Уильяма Шекспира - «Жалость» - композиция создана по мотивам шекспировской пьесы «Макбет»; вероятно, является иллюстрацией к следующим словам поэта: И жалость, будто голенький младенец, Влекомый вихрем, или херувим На скакунах невидимых воздушных… На картине изображена женщина-херувим, скачущая по небу на «воздушном» скакуне. Она наклонилась, чтобы взять у матери младенца, олицетворяющего жалость; и Джона Мильтона - «Христос, принимающий на себя роль Спасителя» - Христос парит перед Богом Отцом, Его поза с раскинутыми в стороны руками напоминает о грядущей крестной муке. Выразительные, крупные руки Бога Отца лишь слегка касаются Иисуса. Четыре ангела, сопровождающие будущего Спасителя, своими причудливыми позами создают своего рода обрамление для двух центральных фигур. Внизу изображен вооруженный копьем Сатана, по всей вероятности, обдумывающий, как помешать осуществлению Божьего плана по спасению мира; выбирая для изображения нетрадиционные эпизоды и образы.

В своих произведениях художник запечатлел персонажей древнегреческой, а также своей собственной мифологии - «Суд Париса», «Геката») - Геката — богиня темных сил, мрака и колдовства. Волшебница, связывающая мир живых с миром мертвых, она была наделена огромной силой. Считалось, что по ночам Геката блуждает среди могил, вызывая призраки умерших. К ней обращаются покинутые влюбленные. Ее помощью воспользовалась Медея, чтобы добиться любви Ясона. В трагедии Шекспира «Макбет» Геката является одним из действующих лиц, матерью ведьм. Прием размещения за спиной основного персонажа двух фигур, повернувшихся лицом друг к другу, позднее был воспринят поклонником Блейка — Данте Габриэлем Россетти. Картина имеет также иную интерпретацию и иное название — «Ночь радости Энитармон». Энитармон (Enitharmon) — персонаж из собственной мифологии Блейка. В ночь своей радости Энитармон раскрывает свою ложную религию.

Многие картины Блейка носят аллегорический характер - «Большой красный дракон и женщина, одетая в солнце».

У Блейка мир поэзии и изобразительного искусства взаимопроникают друг в друга, так что их невозможно разделить - «Когда запели звезды». Иллюстрация к Книге Иова. В его графике нельзя точно определить, где заканчивается текст и начинается иллюстрация. Более того, нельзя с уверенностью сказать, что изображение иллюстрирует текст, а не наоборот, это их абсолютный синтез. Каждый абзац библейского текста о страдальце и праведнике Иове художник превратил в самостоятельную графическую композицию - «Дьявол, поражающий Иова проказой» - Сатана постоянно провоцирует Бога, пытаясь доказать Ему, что Иов благочестив только потому, что Бог его бережет и благоприятствует ему во всех его делах. Тогда Бог разрешает Сатане отнять у Иова все, что он нажил своим трудом и что ему дорого. Сатана в одночасье уничтожает все имение Иова и убивает всех его детей. Но это не сломило Иова — он мужественно перенес утраты, не возроптав на Бога. Тогда Сатана говорит: отними у него здоровье и посмотри — благословит ли он Тебя? Тогда Бог отдает тело Иова в руки Сатаны, и тот поражает Иова проказой от пяты и до самого темени. На картине изображен именно этот момент; «Иов и его дочери».

Для оформления «Божественной комедии» Блейк сделал более ста рисунков и несколько пробных гравюр - «Беатриче на колеснице» - Чтобы выполнить иллюстрации к поэме Данте, Блейк в 67 лет начинает изучать итальянский язык. Прежде чем умереть, Блейк успел гравировать 7 из 102 рисунков. 69 из них иллюстрировали песни «Ада», 20 — «Чистилища», 10 — «Рая» и еще 3 — без указания песни. Эта композиция иллюстрирует 29-ю песню «Чистилища». В правой части изображен Данте (одетый в красное), смотрящий в направлении Эдемского сада. По саду на великолепной колеснице, запряженной грифоном, едет Беатриче, возлюбленная поэта, в окружении духов четырех евангелистов (слева от Беатриче мы видим изображения, отчасти похожие на головы орла (Иоанн) и тельца (Лука), справа — на ангела (Матфей) и льва (Марк). Три женщины, стоящие на земле, олицетворяют Веру (в белом платье), Надежду (в зеленом) и Милосердие (в красном).

Блейк создает свою интерпретацию текста Данте. Для великого итальянца образ Беатриче был важен как символ христианской церкви. Блейк, надев на Беатриче золотую корону, тем самым представляет ее как персонаж своей мифологии — как Валу, богиню природы; «Вихрь любовников».

Универсальный мастер, Блейк сам гравировал и раскрашивал иллюстрации к собственным сочинениям, изданием которых занимался собственноручно - «Дитя-радость». Иллюстрация к сборнику «Песни неведения».

«Великий архитектор» — Бог-отец в момент творения предстаёт как воплощение зла, жестокий создатель законов и ограничений. Мистик Блейк презирал все инструменты, так почитаемые последователями Ньютона и всеми теми, кто по мнению Уильяма Блейка создал заговор с целью уничтожить всю поэзию в жизни. Поэтому Бог на его картине не устанавливает порядок, а ограничивает и обозначает пределы воображения. Блейк изображает самого Бога ограниченным, заключённым в пространство внутри солнца. Только развивающиеся локоны волос и бороды, вырывающиеся из зловещего красного круга, говорят о возможности вырваться в загадочную темноту — мир духа, освобождённого воображения, в котором, как считал Блейк, можно обрести истинное счастье.

Стиль Блейка для европейского искусства XIX в. уникален. Он сочетает архаичные черты с творческой фантазией, композиционной изобретательностью и явным стремлением к обобщённым символическим образам. Этот удивительно яркий, талантливый человек не нажил богатства — Блейка похоронили за общественный счет в общей могиле.

Пейзажист ДЖОН КОНСТЕБЛ как художник сложился самостоятельно, изучая природу и произведения Я. Рёйсдала, Н. Пуссена, К. Лоррена, а также английских пейзажистов XVIII в. Отказавшись от всякой идеализации природы, Констебл изображал обыденную сельскую местность во всей её свежести и непосредственности, воссоздавая трепетность свето-воздушной среды. Произведения художника проникнуты ощущением гармонического единства природы, одухотворённой и величественной даже в самых скромных своих проявлениях. Свои пейзажи Констебл создавал на основе огромного количества пленэрных этюдов, а некоторые картины, впервые в истории пейзажа, писал целиком с натуры. Естественность композиции, чистота и свежесть цвета в произведениях Констебла сочетаются с богатством оттенков, подвижностью дробных мазков. Констебл часто изображал один и тот же мотив при разных метеорологических условиях, тонко передавая их своеобразие; с особой любовью он писал многочисленные этюды облаков.

Констебл создал большую серию пейзажей с видами реки Стур – «Телега для сена», «Белая лошадь», неоднократно изображал стоявшие на ней мельницы – «Плотина и мельница в Дедхеме (Дедхемская мельница)». В своих работах Констебл предстает смелым и независимым мастером, его принципиально новая трактовка природы не соответствует нормам академического искусства. По мнению художника, основой изображения должно быть наблюдение, а лейтмотивом любого пейзажа — небо. Следуя традиции голландских мастеров, художник стремится к воссозданию атмосферы, облаков и света - «Кукурузное поле», «Замок Хэдли». Констебл часто изображал один и тот же мотив при разных метеорологических условиях, тонко передавая их своеобразие; с особой любовью он писал многочисленные этюды облаков - «Этюд облаков. Хемстед».

Отличительной чертой стиля художника стала рельефная фактура. Накладывая краски густыми выпуклыми мазками, он отказался от тщательно выписанных деталей и эффектного освещения, впервые использовал чистые зеленые цвета разных оттенков - «Водяная мельница в Гиллингеме».

На родине произведения Констебла не пользовались популярностью у публики, не нашел художник понимания и в академических кругах. Однако во Франции его творчество было воспринято с большим энтузиазмом. Искусство Констебла оказало заметное влияние на французскую романтическую живопись, сыграло важную роль в формировании Барбизонской школы. Творчество Констебла предвосхитило искусство импрессионистов.

Один из самых успешных художников в истории искусства, УИЛЬЯМ ТЁРНЕР вошел в историю как мастер морских далей и небесных просторов, виртуоз света и туманной дымки. Тёрнер создал новый тип романтического пейзажа. Сумев преодолеть рамки описательности и пристрастие к изображению руин, он превратил пейзаж в средство выражения романтических переживаний - «Венеция. Вид на восток от острова Джудекка. Восход», «Снежная буря. Переход армии Ганнибала через Альпы», «Сан-Джорджо Маджоре на заре», «Пейзаж с далекой рекой и плотиной» - В этом пейзаже Тёрнер приходит к предельному обобщению, приближаясь к абстрактной живописи. Тёрнер изучал цветовую теорию Гёте, где тот излагает идею, что все цвета — это различные виды взаимодействия света и тени, варианты их интенсивности; ему же принадлежит открытие многих цветовых эффектов и их описание. Такое изучение теории цвета, ее живописное и философское осмысление роднит Тёрнера с искусством второй половины XIX века.

Творческая биография Тёрнера похожа на одно большое путешествие — начав с прогулок по лондонским паркам, он исколесил всю Британию и Европу, ни на минуту не расставаясь с карандашом и блокнотом. Наиболее ярко новые художественные открытия Тёрнера проявились в сотнях созданных им акварелей, где изображенное пространство насыщено светом и воздухом. Позднее приемы изображения различных состояний свето-воздушной среды были перенесены им в масляную живопись. Тёрнер разрабатывал мотивы голландских марин XVII в., пейзажей К. Лоррена и Р. Уилсона, обращался к библейским, мифологическим и историческим сюжетам, обнаруживая склонность к романтической фантастике, к воплощению драматической борьбы природных сил, к передаче необычных световых эффектов - «Метель. Пароход выходит из гавани и подает сигналы бедствия, попав на мелководье.

Мастер воспринимает природу прежде всего как зеркало мироощущений художника и его переживаний, превращающее реальный мир в фантасмагорическую иллюзию, порожденную игрой солнечных лучей. Эта иллюзия достигает вершин аллегории, когда на заре викторианской эпохи Тёрнер впервые берется за сюжеты, связанные с драматическим моментом вторжения паровой машины в идиллический мир парусов и экипажей. И если в знаменитом полотне «Дождь, пар и скорость» еще можно различить черты локомотива, разрывающего пространство, то композиция картины «Метель. Пароход выходит из гавани и подает сигналы бедствия, попав на мелководье» превращается в хаос цветовых пятен, более всего напоминающий абстрактную живопись XX века. Снежные вихри и бурное море грозят поглотить корабль. Тёрнер не просто был очевидцем бедствия — он попросил матросов привязать его к мачте, где находился четыре часа. Картина экспонировалась в том же году, что и «Вечный покой. Похороны на море», и привела критиков в шок. Ныне признанный шедевр крупнейшего английского мастера был тогда наречен «мыльной пеной». Джон Рёскин, известный критик, сделавший важный вклад в развитие эстетики, вспоминал, как однажды услышал бормотание Тёрнера: «Мыльная пена! Чего же они желают?... Хотел бы я, чтобы они побывали там!»

Тёрнер оставил после себя обширное наследие: более 300 картин маслом, 20 тысяч акварелей и 19 тысяч карандашных рисунков. Тёрнер в своем восприятии мира значительно опередил свое время, и поэтому немногие современники понимали его искусство. Однако сейчас этот художник признан одним из наиболее выдающихся представителей английской школы живописи.

Поиск по сайту: