ПЕЧАТНАЯ ГРАФИКА 6 страница

конструкции (кариатиды, атланты, консоли, капители), или служить украшением

свободных полей, выделенных структурой здания (фронтоны и метопы греческого

храма, готические порталы и т. п.). Но даже в тех случаях, когда нет прямой

тектонической связи между скульптурой и архитектурой, скульптура находится в

известной зависимости от архитектуры: архитектура определяет масштаб статуи,

ее место, в значительной мере ее освещение. Но скульптуре не всегда

принадлежит подчиненная роль. Бывают случаи, когда скульптуре нужна опора

архитектуры, чтобы развернуть полностью всю мощь своей энергии, и тогда

архитектура подчиняется скульптуре (советский павильон на Парижской выставке

и группа Мухиной "Рабочий и колхозница").

Это взаимное тяготение скульптуры и архитектуры подчеркивает общность

их материальной природы. Оба искусства телесные, обрабатывают крепкие

материалы, подчинены законам статики. Основное их различие заключается в

том, что задачей архитектуры являются конструкция масс и организация

пространства, задача же скульптуры -- создание телесных, трехмерных объемов.

Если же сравнить скульптуру с живописью, то их сближает задача изображения

реальной действительности. Но тематический репертуар скульптуры, по

сравнению с живописью, гораздо более ограничен. Не только все преходящие,

бестелесные явления (вроде солнечных лучей, дождя, тумана, радуги и т. п.)

выпадают из поля зрения скульптора, но и в пределах телесного, вещественного

мира у скульптуры есть естественные границы и определенные симпатии. Так,

например, для скульптуры мало подходит тематика пейзажа (горы, деревья,

лужайки) и натюрморта (плоды, предметы обихода, мебель, которые в живописи

могут быть очень выразительны -- вспомним картины Ван Гога, изображающие

башмаки и плетеное кресло, или картину Ренато Гуттузо, с изображением

корзины с картошкой). Цветы и растения могут быть в скульптуре мотивами

только декоративной пластики, главным образом в виде рельефа (в капители, во

фризе), притом в сильно стилизованных формах, для того чтобы они могли

включиться в тектонический ритм архитектуры.

Таким образом, естественным объектом пластического творчества является,

собственно говоря, изображение человека и отчасти животных. Мы говорим --

отчасти, так как скульпторы (кроме специалистов-анималистов) предпочитают

таких животных, которые обладают в какой-то мере свойствами человеческого

характера (орел, лев, собака) или же органически могут быть согласованы с

человеческим телом (лошадь и всадник).

Каковы же причины тематической односторонности скульптуры? Одна из них

заключается в том, что и в создании, и в восприятии скульптуры участвуют не

только зрительные органы, но и осязательная моторная энергия. Зритель как бы

внутренне повторяет динамические функции статуи, всем своим моторным

аппаратом переживает положения и движения изображенной фигуры -- только

тогда камень и бронза из мертвой материи превращаются в живой образ.

Понятно, что этот процесс возможен лишь тогда, если налицо соответствующий

объект -- человек или животное, существо с разумом и волей и с родственной

человеку моторной энергией. Не случайно Майоль говорил своим ученикам, что

при создании новой статуи ему нужен не столько оптический образ, сколько

соответствующее будущей статуе внутреннее, моторное напряжение всего тела.

Будучи, таким образом, единым по своему существу искусством, скульптура

вместе с тем делится на ряд самостоятельных видов, обладающих каждый своими

особыми свойствами. Во-первых, мы разделяем большую и малую скульптуру,

причем к этому присоединяются и принципиальные различия; маленькая статуэтка

не связана с определенным местом, ее можно взять в руки, поворачивать; она

относится к монументальному памятнику, как гравюра к стенной живописи.

Во-вторых, мы различаем свободную скульптуру и рельеф, а в группе свободной

скульптуры еще более узкую группу кругло-скульптурных, всесторонних статуй,

рассчитанных на обход кругом, на рассмотрение со всех сторон. Рельеф же

представляет собой в большей или меньшей мере выпуклую скульптуру,

развернутую на плоскости, которую он украшает.

Общим же для всех названных выше видов являются материал и техника. К

ним мы теперь и обращаемся.

* *

*

Материал и техника его обработки имеют очень большое значение в

скульптуре. Верное чутье материала, умение найти соответствующую материалу

идею и тему, или, наоборот, воплотить идею в подходящем материале -- важный

элемент дарования скульптора. Подлинный скульптор творит в определенном

материале, задумывает статую в мраморе или бронзе. Он знает, что материалы

по-разному реагируют на прикосновение рук скульптора, неодинаково

подчиняются велениям его фантазии. Есть более гибкие и менее послушные

материалы: мягкий камень побуждает к гладким плоскостям и острым граням,

твердый -- поощряет закругления; в глине обычно возникают несколько

расплывчатые формы, слоновая кость требует слоистой трактовки и т. п.

Материал тогда дает желаемый эффект, когда используют все его возможности до

конца и вместе с тем когда от него не требуют большей экспрессии, чем он

способен дать. Однако, признавая важное значение материала в скульптуре, не

следует впадать в крайность, как делают некоторые теоретики (Земпер,

Гильдебранд), и приписывать материалу слишком большую, почти решающую роль и

в творческом процессе, и в восприятии зрителя. В эстетическом процессе, в

конце концов, важен не сам материал, а впечатление, которое он производит.

В самом деле, для скульптора важно не то, что материал, в котором он

работает, действительно твердый, а то, что в статуе он выглядит твердым.

Египтяне любили твердые материалы и мастерски их обрабатывали, но у них и

мягкие материалы кажутся твердыми, как бы затрудняющими руку художника. Это

значит, что не материал побуждал египтян вырабатывать твердый стиль, а по

самому своему существу египетский пластический стиль был твердым, суровым.

Напротив, в эпоху барокко каменная скульптура часто производит мягкое,

расплывчатое впечатление, хотя использованы как раз твердые породы.

Учитывая все вышесказанное, можно было бы выдвинуть такой принцип,

характеризующий значение материала в скульптуре: концепцию ваятеля

определяют не столько особенности материала, сколько смысл, идея, задачи

художественного произведения. Например, может казаться, что скульпторы

готики и барокко пренебрегают естественными свойствами материала, творят как

бы ему вопреки и все, же создают ценные художественные произведения. В самом

деле, каковы естественные свойства камня? Косность, тяжесть, плотность. А

между тем в бурной динамике барочных статуй исчезает тяжесть камня, а в

тонких кружевах готической декоративной скульптуры растворяется плотность

камня. Почему же пренебрежение к естественной логике материала не производит

здесь антихудожественного, впечатления? Потому что он отвечает глубокому

смыслу, внутренним идеям готики и барокко -- их стремлению преодолевать

пассивность, косность материи, одухотворить, насытить камень эмоциями.

Это подчинение материала художественной идее лежит, по-видимому, в

основе симпатий различных художников и целых эпох к определенным материалам:

так, например, египтяне предпочитали твердые, цветные породы камня, греки --

мрамор и бронзу, любимые же материалы китайцев -- фарфор, лак, нефрит. Если

Микеланджело любил мрамор, то Поллайоло предпочитал бронзу; XIX век не

признавал дерева, а в XX веке к нему возвращаются. Есть мастера и эпохи,

которые стремятся в законченной работе сохранить следы сырого, почти

необработанного материала, как бы показывая становление живого образа из

аморфной массы (Роден). И есть другие, которые уничтожают мельчайшие следы

резца, малейшее напоминание о борьбе скульптора с материей.

Что касается техники скульптуры, то ее виды можно группировать по

различным принципам. Согласно одному принципу технику скульптуры можно

разбить на три следующие группы: 1. Когда рука художника заканчивают всю

работу (обработка глины, камня, дерева). 2. Когда работу художника

заканчивает огонь (керамика). 3. Когда художник дает только модель будущей

статуи (отлив в бронзе). Согласно другому принципу техника скульптуры

распадается на три, но уже другие основные группы: 1. Лепка в мягких

материалах (воск, глина) -- техника, которую мы называем в узком смысле

"пластикой". 2. Обработка твердых материалов (дерево, камень, слоновая

кость), или "скульптура" в прямом смысле этого слова. 3. Отливка и чеканка в

металле.

Обзор техники и материалов скульптуры следует начинать с мягких

материалов, так как именно в них обычно выполняются подготовительные работы,

изготовляются модели и т. п. Но еще раньше скульптор реализует свой замысел

в рисунках, набросках, эскизах и только после этого переходит к модели в

мягкой глине или пластилине (особом несохнущем материале). Рисунки

скульптора могут быть и этюдами с натуры, и импровизациями, и набросками

композиций, но они заметно отличаются от рисунков живописца. Когда скульптор

рисует, он словно лепит, или высекает, или шлифует форму, он словно

ощупывает руками и глазами объем и поверхность. Его штрихи как бы взрывают

поверхность бумаги. Штрихи скульптора не столько образуют контуры фигур,

сколько означают прикосновения, движения самого художника. Достаточно

взглянуть на рисунки Микеланджело, чтобы убедиться в гипнотической силе

объемов, заложенных в них. Но они обнаруживают и еще одну особенность.

Скульптор всегда стремится охватить форму и движение фигур с разных сторон,

как бы одновременно с нескольких точек зрения. Так, например, Микеланджело

рисует обнаженную фигуру спереди или со спины и тут же, на том же листе,

хочет представить ее себе в профиль или в одежде.

За рисунком следует модель в глине или в пластилине. Глина --

исключительно гибкий, податливый материал, отзывающийся на малейшее

прикосновение художника; маленькие частицы глины можно смять в компактную

массу: прибавлять или отнимать у нее -- одним словом, всегда возможны

дополнения и исправления. Кроме того, глина допускает быстрый темп работы.

Вообще в смысле темпа работы скульпторы оказываются в невыгодном положении

по сравнению, скажем, с живописцами -- сложный, длительный процесс работы

может нарушить равновесие между бурным полетом фантазии художника и

медленной техникой. Но именно в глине это равновесие вполне возможно. Однако

в этом же быстром темпе работы заложена и опасность мягких материалов для

скульптора (глины, воска): художник увлекается легкой и быстрой техникой,

начинает терять контакт с другими материалами, довольствуется только

моделью, предоставляя своим помощникам механически переносить формы глиняной

модели в твердый материал (камень), -- в результате специфические свойства

камня оказываются неиспользованными. Эти опасности особенно сказываются в

скульптуре XIX века. Они и вызвали резкую оппозицию Родена и Гильдебранда и

их призывы работать непосредственно в материале, высекать из камня.

Хотя мы в просторечии часто употребляем термины "скульптура" и

"пластика" в одинаковом значении, как наименование особого вида искусства,

следует все же подчеркнуть принципиальное различие между содержанием этих

двух понятий (в их более узком смысле).

Скульптор обрабатывает твердые материалы (камень, дерево); перед ним в

начале работы сплошная компактная глыба, в которой он как бы угадывает

очертания будущей статуи. В своей работе он идет снаружи вовнутрь, отнимая

(отсекая или срезывая) большие или меньшие лишние части. Напротив пластик

работает в мягких материалах, он лепит, прибавляет материал, одним словом,

процесс его работы идет изнутри наружу. При этом в момент начала работы

перед пластиком или вообще нет никакого материала, или же есть только скелет

будущей статуи, стержень, который постепенно обрастает материалом. Итак,

пластика -- это искусство прибавления материала, скульптура -- отнимания.

Это различие сказывается не только во внешних приемах техники, но и в

существе художественного мировосприятия. Если мы проследим за исторической

эволюцией искусства, то заметим, что на ранних стадиях развития обычно

господствует скульптурный стиль, а на более поздних -- пластический.

Возьмем для примера развитие греческой скульптуры, оно явно идет от

скульптурных принципов к пластическим, архаическая статуя неподвижна, строго

фронтальна, замкнута в сплошных плоскостях, рассчитана на рассмотрение с

одной точки зрения -- в ее основе лежит скульптурный, высекающий стиль.

Напротив, статуи Лисиппа, в основе которых лежит принцип пластики, или

лепки, полны динамики, развертываются изнутри наружу ("Апоксиомен"), как бы

врываются в окружающее их пространство, рассчитаны на обход, на рассмотрение

с разных точек зрения. Своеобразное сочетание принципов скульптуры и

пластики представляет собой китайская техника "каншитсу": пустой внутри

деревянный остов обкладывают бумагой или грубой тканью, поверх которой

кладут ряд слоев лака, в которых и производится моделировка поверхности

статуи -- таким образом, и в материале и в технике его обработки мы видим

сочетание принципов скульптуры и пластики.

Однако вернемся к глиняной модели. Часто скульптор не ограничивается

одной моделью, а делает их несколько. Маленькие модели дают самое общее

представление о пластическом мотиве, который занимает скульптора (сравним,

например, глиняные модели Микеланджело для "Давида" в Каза Буонарроти во

Флоренции). Наряду с этими "пластическими эскизами" скульптор часто

изготовляет большую вспомогательную модель, в которой более точно намечает

формы будущей статуи (во Флорентийской Академии хранится большая модель

Микеланджело для одной из статуй капеллы Медичи: деревянный остов покрыт

паклей, поверх положена глина, моделирующая формы статуи). Для создания

большой глиняной или восковой модели необходим остов, своего рода скелет

(так называемый каркас), так как без него глина оседает. Каркас делается из

проволоки и деревянных дощечек, распределяя основные линии позиции будущей

статуи.

Глину применяют не только как вспомогательное средство, но и как

самостоятельный пластический материал. Но в этом случае глина должна быть

обожжена до затвердения (скульптура из обожженной глины носит название

терракоты). Стенки статуэтки, предназначенной для обжига, должны быть очень

тонкими, так как сырость, содержащаяся в глине, при обжиге обращается в пар

и может вызвать трещины. При лепке глиняной статуэтки надо учитывать, что

глина при обжиге сжимается, поэтому статуэтку надо делать больше по

размерам, чем она была задумана в окончательном виде.

Для глиняных статуэток характерны обобщенные замкнутые формы, что

вызывается отчасти техническими причинами: трудно обжигать далеко

выступающие части. Блестящими примерами терракотовой скульптуры являются

древнегреческие терракоты, особенно те раскрашенные жанровые статуэтки,

которые были найдены в могилах близ Танагры. В эпоху Возрождения, особенно в

Северной Италии, изготовлялись большие терракотовые статуи, часто даже целые

группы, в резко экспрессивном стиле, обычно пестро раскрашенные (Никколо

дель Арка, Гвидо Маццони и другие).

Дефект чистой терракоты -- она пропускает воду -- стремились преодолеть

с давних пор с помощью прозрачной глазури, обычно с примесью окиси металла.

Древнейшие образцы глазурованной терракоты находят уже в Месопотамии. Первый

расцвет она переживает в Персии. Через посредство арабов техника свинцовой

глазури, так называемой мавританской, проникает в Испанию (по-видимому, от

принадлежавшего Испании острова Майорка эта техника получила название

"майолика"). Из Испании технику майолики завозят в Италию. В целом ряде

городов Средней Италии возникают мастерские, изготовляющие расписные сосуды

(главным образом блюда) с фигурными композициями, отражающими влияние

классического искусства. От одного из главных центров этого производства,

города Фаэнца, техника глазурованных сосудов получила название "фаянс".

Технику расписной, глазурованной терракоты в монументальную скульптуру

первый вводит, правда еще эпизодически, Лоренцо Гиберти, а с середины XV

века ее начинает систематически культивировать Лука делла Роббиа, глава

целой семьи мастеров глазурованной терракоты. Мастерская Луки делла Роббиа

изготовляла главным образом рельефы (чаще всего с белыми фигурами на голубом

фоне) круглой (так называемой тондо) или полукруглой (так называемого

люнета) формы. Майолика мастерской делла Роббиа отличалась исключительной

прозрачностью, была непроницаема для дождя, и поэтому ее часто применяли для

украшения наружных стен.

В XVIII веке майолика теряет популярность, и ее место занижает фарфор

-- материал более гибкий, содействующий более утонченной технике. Тайну

изготовления фарфора впервые открыли китайцы (вероятно, уже в VII веке). С

XVI века, когда образцы китайского фарфора попадают в Европу, начинаются

непрерывные попытки овладеть техникой фарфора или хотя бы приблизиться к

применяемым им приемам и формам (медичейский фарфор, дельфтский фаянс и т.

п.).

Только в самом начале XVIII века Бетгер, сначала в Дрездене, а позднее

в Мейсене создает настоящую фарфоровую массу (несколько более крепкую по

сравнению с китайской). Фарфоровая масса Бетгера состоит из смеси каолина,

полевого шпата и кварца. Обжигаемая при высокой температуре, эта смесь дает

твердую белую массу. Эта масса может подвергаться окраске различными

способами: или красят саму массу, или ее покрывают цветной глазурью, или

раскрашивают под глазурью либо над глазурью. При быстром остывании после

обжига образуется тонкая сеть трещин, которую намеренно используют для

создания особой мерцающей поверхности (подобного рода техника носит название

"кракле"). Это сочетание твердости и хрупкости, сверкающей белизны и пестрой

раскраски, присущее фарфору, ставило перед художниками ряд сложных и

своеобразных проблем. Наиболее крупные из мастеров европейского фарфора

XVIII века -- Кендлер и особенно Бустелли -- достигают в своих небольших

статуэтках и группах яркой выразительности и тонкого декоративного ритма.

Такой же популярностью, как фарфор в эпоху рококо, в эпоху классицизма

пользовалась так называемая каменная масса, отличающаяся от фарфора большей

мягкостью, непрозрачностью и желтоватым тоном. Особенный расцвет каменная

масса пережила во второй половине XVIII века в Англии, где мастерская

Веджвуда прославилась сосудами синего, фиолетового и черного тонов,

украшенными белыми фигурными рельефами, напоминающими стиль античных камей.

Фарфор Веджвуда противопоставляет изысканности и игривости немецкого мейсена

и французского севра простоту форм и сдержанное созвучие декорации с формой

сосуда. Новым в изделиях Веджвуда было и то, что производство товаров

широкого потребления отличалось такой же тщательностью работы и изящной

простотой стиля.

Наряду с глиной как материал лепки для отлива в бронзе, а также и для

самостоятельных работ применялся также воск.

Глина и воск очень непрочны, при высыхании трескаются, поэтому с них

обычно делали точные копии в гипсе. Но гипс применялся в скульптуре и для

других целей. Так, например, гипсовые отливы с живой модели служили

скульптору материалом при изучении натуры. Такие гипсовые отливы найдены уже

в египетских мастерских (особенно блестящие в мастерской Тутмеса,

работавшего при дворе фараона-еретика Аменхотепа IV в Тель-эль-Амарне).

Такими же гипсовыми отливами с натуры пользовались греческие скульпторы

Лисипп и мастера его круга, а также скульпторы эпохи Возрождения.

В эпоху Возрождения впервые начинают делать гипсовые отливы со статуй

(главным образом античных), предназначенные, с одной стороны, для обучения

молодых художников, а с другой -- для собраний коллекционеров. Начиная с

XVII века, рисование с гипсовых отливов приобретает прочное место в системе

академического обучения художника. В XIX веке гипсовые отливы выполняли

важную роль в работе археологов и в комплектовании специальных музеев, где

на слепках демонстрируется история мировой скульптуры ("Трокадеро" в Париже,

Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в

Москве).

Не следует смешивать гипс с так называемым стуком -- соединением гипса

с мраморной крошкой (замешанным на клее и извести), представляющим собой

материал, который широко применялся для самостоятельных декоративных работ.

По-видимому, стук ведет свое происхождение с Востока -- мы знаем, какое

богатое применение этот материал нашел у парфян и в декоративном искусстве

Средней Азии (под названием "ганч"); но его широко использовали в

декоративных целях и в эпоху эллинизма, и в римском искусстве (блестящим

образцом применения стука являются потолочные украшения виллы Фарнезины в

Риме, поражающие своей воздушностью). Стук накладывают в мягком виде и

моделируют шпахтелем, пока не затвердеет; но так как твердеет он очень

быстро, то художник должен обладать быстрой и верной рукой. Наибольшую

популярность стук приобретает в эпоху барокко и рококо для украшения стен и

потолков, вместе с тем все более превращаясь в ремесленное производство.

* *

*

Переходим к твердым материалам скульптуры. Дерево -- один из древнейших

и притом народных материалов, долго сохранявших традиции крестьянского

ремесла. Деревом как скульптурным материалом мастерски умели пользоваться

уже в Древнем Египте (вспомним шедевр скульптуры Древнего царства -- статую

так называемого "Деревенского старосты" в Лувре). В Греции дерево было,

по-видимому, древнейшим материалом монументальной скульптуры: так называемые

ксоаны -- бесформенные идолы в виде столбов или досок с нанесенным на них

примитивным рисунком человеческой фигуры -- были, согласно источникам,

древнейшими памятниками монументальной скульптуры. Понемногу камень начинает

вытеснять дерево, но архаические каменные статуи долго сохраняют следы форм,

вызванных инструментами резьбы из дерева -- ножом и пилой ("Гера" с острова

Самос, в Лувре, круглая, как столб, с вертикальными складками одежды,

подобными каннелюрам колонны, "Артемида" с острова Делос, в Афинах, плоская,

как доска).

Возрождение дерева как скульптурного материала происходит в средние

века, начиная уже с древнехристианского периода (деревянные двери церкви

Сайта Сабина в Риме, V век). В Северной Европе в средние века, да и в эпоху

Возрождения, дерево широко применялось для украшения алтарей, для распятий,

для церковной утвари. Обычно дерево грунтовали, иногда покрывали холстом,

окрашивали и золотили (выдающийся немецкий скульптор конца XV -- первой

трети XVI века Тильман Рименпшейдер одним из первых стал применять дерево,

так сказать, в чистом виде).

В скульптуре итальянского Возрождения дерево постепенно вытесняется

мрамором и бронзой. Но в эпоху барокко, особенно позднего и особенно в

странах с крепкими традициями крестьянского ремесла (Бавария, Австрия,

Польша, Прибалтика и т. п.), дерево переживает новое блестящее возрождение в

декоративных ансамблях церковного убранства. Эпоха классицизма, когда в

скульптуре господствуют белый мрамор и рельефный принцип, неблагоприятна для

дерева как скульптурного материала. В течение всего XIX века дерево было

изгнано из мастерских скульпторов. Напротив, в XX веке с его

революционно-демократическими тенденциями и с поисками новой, эмоциональной

выразительности дерево переживает новое, яркое возрождение (Барлах,

Коненков). Для монументальной скульптуры употребляются и мягкие (липа,

тополь), и твердые породы деревьев (дуб); для мелкой скульптуры -- по

преимуществу прочный бук. Дерево обрабатывают ножами и резцами (для складок

используют вогнутый резец) с помощью молотка. В эпоху готики применяли так

называемую козью ножку (особый вид резца). Исходным материалом для

скульптора является деревянный чурбан. Иногда ему придают правильную

четырехгранную форму, на передней плоскости которой художник рисует контуры

изображения. Затем различными ножами и резцами вырубаются основные плоскости

будущей скульптуры. После этого скульптура разнимается на две части и

выдалбливается внутри, чтобы дерево высохло и не трескалось. Только после

этого заканчиваются все детали скульптуры и ее две части вновь скрепляются.

Каковы специфические особенности дерева как пластического материала?

Дерево -- более гибкий материал, чем камень: оно допускает большую свободу в

обработке форм, большее богатство деталей, но меньше нюансов и переходов; в

дереве возможны более резкие выступы, ответвления формы и более глубокие

вырезы (недоступные художнику в камне). В дереве возможны острые, угловатые

грани, но и закругленные выемки, длинные и короткие линии, резкие контрасты

и мягкое волнение поверхности (взрыхленную рашпилем, морщинистую поверхность

можно комбинировать с гладко отшлифованной).

Обобщая стилистические особенности дерева как материала скульптора,

можно было бы сказать, что дереву свойственны несколько нескладная масса и

вместе с тем исключительно богатая, динамическая, выразительная "текстура" и

поверхность, контраст между сырой, косной материей и органической силой.

Дефект дерева заключается в том, что его нельзя обрабатывать во всех

направлениях -- нож должен идти или по волокнам, или в поперечном

направлении, но нельзя рубить или резать против дерева. Наконец, необходимо

отметить чрезвычайное разнообразие масштабов, доступных деревянной

скульптуре, -- от монументальных, многофигурных ансамблей (готические или

барочные алтари, кафедры и т. п.) вплоть до миниатюрных вещиц.

Китайцы и особенно японцы -- исключительные мастера пластической

миниатюры. Азиатские народы обладают особой остротой слухового и

осязательного восприятия; богатство звуковых оттенков свойственно языку

многих азиатских народов, точно так же как их пластика отличается

неисчерпаемой игрой пластических, осязательных комбинаций. Самый процесс

осязания доставляет японцу своеобразное удовольствие -- японский крестьянин

носит у пояса деревянные вещички или просто куски драгоценного дерева, чтобы

прикасаться к ним и ощущать гладкую или шероховатую, сухую или сырую

поверхность. Этими же предпосылками продиктовано тяготение японцев к

миниатюрной пластике, которую можно брать в руки, прикасаться к ней,

поворачивать, ощупывать все ее пластические оттенки.

Наиболее ярким проявлением этой тенденции являются мелкие японские

статуэтки из дерева или слоновой кости, так называемые нэцкэ. Размером они

часто не более пуговицы, их носят вместо передвижных пряжек, к которым

особыми шнурками прикреплены у пояса маленькие коробочки для лекарств или

табака. Нэцкэ отличаются удивительной законченностью и, хотелось бы сказать,

замкнутостью формы в сочетании с чрезвычайным богатством пластической

экспрессии. Трудно представить себе более глубокое и органическое созвучие

бытовых потребностей и пластической импровизации.

В заключение следует отметить еще одно свойство дерева как

скульптурного материала, обладающего многообразнейшими возможностями.

Дорогие породы дерева, в особенности если они подвергались тонкой работе,

могут оставаться неокрашенными -- они воздействуют своей структурой, ритмом

своих волокон, своим тоном, игрой своей поверхности. Вместе с тем дерево --

самый подходящий материал для красочной скульптуры. Раскраску деревянных

Поиск по сайту: